はじめに

──4Kリマスターで上映されるらしい。
　そんな話を聞いて、ふと思ったんだ。そういえば、『南極料理人』って、まだ観ていなかった。2009年公開だから、もう17年前の映画（2026年時点)だ。当時から存在は知っていたし、評判は良かったと記憶している。でも、なんか派手な映画でもなさそうだし、いいかな……なんて思っていた。それにまだこの時は主演の堺雅人をよく知らなかった。
　が、この後ぐらいからヤバかった。『リーガル・ハイ』『半沢直樹』そして大河ドラマの『真田丸』で、『VIVANT』だ。観てないのはいかん、これはいい機会だと思って、観てみた。

　そして、観終わって思った。なんか、良かった。ものすごく感動したわけでもない。人生について深いことを考えさせられたわけでもない。ただ、なんだか良かったんだ。
　今回は、そんな映画『南極料理人』について書いてみる。

南極料理人

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基本情報

　2009年、17年前の作品。監督・脚本は沖田修一。原作は、南極観測隊員だった西村淳のエッセイ『面白南極料理人』。出演は堺雅人、生瀬勝久、きたろう、高良健吾、豊原功補ほか。

　2026年11月13日からは、4Kリマスター版が17年ぶりに劇場公開。この4Kリマスターは、東京テアトル創立80周年のファン投票で『南極料理人』が1位に選ばれたことをきっかけに実現したそう。映像の4K化に加えて、音響も5.1ch化。上映時間は125分。

「南極料理人 4Kリマスター」

氷点下 54℃、家族が待つ日本までの距離 14,000Km 究極の単身赴任。笑って、泣いて、おなかもすく。伝説の“はらぺこ映画”が4Kに！『 南極料理人 4Kリマスター 』11.13（金）全国公開

www.theatres.co.jp

簡単なあらすじ

　舞台は南極大陸の内陸にある「ドームふじ基地」。ここで南極観測隊員として働く8人の男たちと、料理担当の西村の日々を描く。
　ただし、「南極で生き残る」というようなサバイバル映画じゃない。
　むしろ、その逆。
　ものすごく過酷な環境にいる男たちが、どうにか普通の生活を送ろうとしている。
　それが『南極料理人』です。

　ドームふじ基地は、昭和基地から約1,000km離れ、標高3,810mに位置する南極大陸の内陸部にあって。年平均気温は−50℃以下。過去には−79.7℃を記録したこともあるっていう。

日本の観測基地｜南極観測｜国立極地研究所

www.nipr.ac.jp

　しかも、ペンギンがいるような南極じゃない。こんなに寒いんじゃ、無理ｗｗ
　海から遠く離れた、氷の世界。

　僕は観ていて、「南極」というより、ほとんど「宇宙」なんじゃないかと思いましたね。外に出ても氷しかない。日本は遠い。簡単には帰れない。
　そんな場所で、男8人が一年半を過ごす話。

　余談かな、実際、国立極地研究所自身が、南極を「宇宙空間における有人拠点」と技術的な共通点がある極限環境として扱っているよ。

第61次南極地域観測計画｜観測隊｜南極観測｜国立極地研究所

www.nipr.ac.jp

HARU

最近、サバイバル動画にめっちゃはまってる。

PENくん

サバイバル＆クッキングと言ったらこれだね！

面白いと思うところ

　ここはプレゼン。なんか、良かった。と「はじめに」で書いたけど、徒然と書いてみる。

南極というより、ほとんど宇宙

　まず面白いのが、この「とんでもない場所で普通に生活している」という感覚。映画の中では、そこまで「南極は怖いぞ！」とは強調されない。
　でも、よく考えてみると、とんでもない。外に出るだけでも危険。気軽に街へ買い物にも行けない。家族に会うこともできない。
　そして、何かあったからといって「じゃあ帰ります」というわけにもいかないわけだ。

　しかも、基地の外に広がっているのは、ほぼ何もない世界なわけ。僕には、それが宇宙船の中の生活みたいに見えたんだ。
　違うのは、宇宙船ではなく、地球上にいるということ。
　でも、心理的な距離感は宇宙に近い。「地球にいるのに、地球から切り離されている」そんな感じがしたところ。

外の世界との連絡が、とにかく遠い

　劇中では、電話をするにも1分740円。これ、長電話なんて、怖くてできませんｗｗ
　あんまり高いんで１分で想定してやってみる。「もしもし」と声を聞いて、「元気？」「元気だよ」「じゃあね」あと、ふにゃふにゃくらいで終わってしまいそうです。１分ならね！　金持ちなら何分でも話せばいい、……でも、そんなことしないけどね。きっと虚しくなる。

　今ならスマートフォンで無料通話ができて、写真も動画もすぐ送れる。でも、この映画の舞台では、外の世界との距離そのものが大きな壁になっている。物理的にも、金銭や精神的にも距離をおく。
　だからこそ、電話の向こうにいる家族や恋人が、ものすごく遠い存在に感じられる。　
　これは、現代の僕たちには、なかなか想像しにくい感覚かもしれません。悪い事なんてしていないのに≒刑務所に近いのかも……

結局、人間は「食べる」

　そして、この映画の一番の魅力は、やっぱり料理。
　ほかにも娯楽はある。麻雀・酒・タバコ・録画しておいたビデオを観る……とか、マンガ・小説を読むこともある。だけどやっぱりは飯だ！

　南極であろうと、結局、人間の楽しみってそんなに変わらない。むしろ、こういう極限状態だからこそ、食事の重要性が増しているように見えるんだよね。おいしいものを食べる。みんなで食卓を囲む。それだけで、一日が少し楽しくなる。

　西村（堺雅人）が作る料理は、単に隊員たちの空腹を満たすものではない。「今日もちゃんと生活している」という感覚を与えてくれるものだったのだと思う。
　南極で料理をする。それだけ聞くと大変そうだけど、映画を観ていると、料理をしている時間そのものがちょっと楽しそうに見えた。

「楽しそう」なのが、逆に切ない

　この映画を観ていて面白いのは、男たちがけっこう楽しそうなこと。
　くだらないことで笑う。食べ物で盛り上がる。麻雀に熱くなる。酒を飲む。観ているこちらまで楽しくなってくる。

　でも、当然ながら、本当に何も問題がないわけではない。
　一年半も外界から隔離されている。帰りたくても帰れない。毎日同じ人間と過ごす。

　そして、いつか精神的におかしくなってしまっても不思議ではない。
　だから彼らは、楽しんでいるというより、「楽しもうとしている」のかもしれない。笑っているというより、「笑わないとやっていられない」。その感じが、この映画にはある。
　だから僕は、楽しそうな場面を観ながら、ときどき少しだけ切なくなりました。

「帰る日」が決まっているという救い

　それでも、彼らには大きな救いがある。切実に描写。帰る日が決まっていること。
　どれだけ長くても、永遠ではない。一年半が過ぎれば、日本に帰れる。これは、かなり大きいと思う。
　人間は、「いつ終わるのか分からない」ことには耐えにくい。
　でも、「ここまで頑張れば終わる」と分かっていれば、案外頑張れる。

　南極での生活は想像するだけでもしんどいけど、彼らにはちゃんと終わりがある。
　だからこそ、今日を乗り切れる。
　そして今日を乗り切るために、料理を食べる。酒を飲む。麻雀をする。くだらないことで笑う。そんな毎日の積み重ねが、一年半につながっていく。

遠距離恋愛のリアル

　もう一つ印象に残ったのが、恋人を日本に残してきた若い隊員（高良健吾）のこと。
　家族がいる人なら、帰る場所がある。
　でも、まだ若く、恋人を残してきた人にとっては、事情が少し違う。

　南極と日本。簡単には会えない。電話も自由にはできない。時間が経てば、相手の生活も変わっていく。
　遠距離恋愛は、ただ「会えなくて寂しい」という話だけじゃない（男女の友情とまではいかないまでも、僕は遠恋にもかなり懐疑的ｗｗ　偏見かｗｗ）。離れている時間のあいだに、お互いの世界が少しずつ変わってしまう。
　だけど、この映画では、そのあたりを大げさに描きすぎません。だからこそ、妙にリアルなんだ。極限状態にいるからといって、人間関係まで止まってくれるわけじゃない。南極にいる人にも、日本で暮らしている人にも、それぞれの日常が続いていく。
　その距離が、真実が、切ない。

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こういう人にお勧め

　はい、告白します。『南極料理人』は、派手な映画ではありません。大きな事件が次々に起こるわけでもない。南極の過酷さを真正面から描くサバイバル映画でもありません。
　だから、ゆったりした映画が好きな人にはお勧め。

　食べ物が好きな人にもいい。男たちがくだらないことで盛り上がっている映画が好きな人にもいい。
　そして、ちょっと疲れている人にもいいと思います。何か大きな答えをくれる映画ではありません。ただ、観ているうちに少しずつ肩の力が抜けていく。「まあ、今日もごはんを食べて寝るか」そんな気持ちになれる映画かな。

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観た人向け

　観て、僕が一番思ったのは、「人間って、どこに行っても人間なんだな」ということ。南極という、とんでもない場所にいても、お腹は減る。酒は飲みたい。たとえば麻雀もしたい。くだらないことで笑いたい。好きな人には会いたい。声が聞きたい。そして、おいしいものが食べたい。

　結局、僕たちの日常とそんなに変わらないんだ。もちろん、彼らが置かれている環境は、とんでもなく過酷。でも、この映画はその過酷さを声高に訴えなかった。
　その代わりに、料理を作って、食べて、笑って、一日を終える。その繰り返しを見せてくれた。だから観終わったあと、僕の中に残ったのは「南極って大変だな」という感想より、
「なんか、良かったな」という感覚なんだ。

──そうか、これ、青春映画だったんだ！　おっさんたちの青春。劇中でも、あの後に集まってビーチバレーしたみたいに、この後もきっと定期的に集まって仲良くやるんだろうな。で、あの時の伊勢エビな！　とか、夜中にこっそりとラーメン食ってさあ、怒られた。節水ね、すごいところにいたよなあ……そういえばトライアスロンすごいじゃん！　だったり、あのコールセンターの彼女とどうなったの？……みたいな。そんな話をするんだろうな。

　たぶん、こういう映画が好きになったんだと思う。すごいことを言わない。泣かせようともしない。でも、観ているあいだ、なんとなく楽しい。そして、観終わったあとに、ほんの少しだけ人間が好きになる。『南極料理人』は、そんな青春映画だった。

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基本情報

　2006年の『プラダを着た悪魔』から20年、その続編だ。はじめ、デマかと思った。そんなことはない、そう思った。そしてそれがデマじゃないと分かったあとも、僕はさすがにコケるんじゃねえかと思ったんだ。だけど、どうやら大ヒットだったらしい（これは、なにもディスっているわけじゃない。『プラダを着た悪魔』のファンは多いと思うんだけど、流石に20年後の続編って、無理じゃないだろうか……って、思っていたんだよ）。で、観たんだ。公開はGWだったんだけど、なんともう、「Disney+」で観ることができるっていう。すごく早いよね、観られるんなら、観るよ。そんな気持ち。でも、あまり期待していなかった。というのが正直なところ。

　キャストは変わらずメリル・ストリープ、アン・ハサウェイ、エミリー・ブラント、スタンリー・トゥッチがいて、監督デヴィッド・フランケル、脚本アライン・ブロッシュ・マッケンナまで続投している。これは本当に「よくやったな」って思う。

　そして結果だけど、先に述べたように僕の予想とは逆に大ヒット。世界興収は約1000億円だっていう、これは前作の約２倍って話だ。僕の「続編はコケると思った」という感覚は、映画の出来とは別に、かなり自然な読みだったと思っている。むしろ、この映画の場合は「作品そのものの評価」以上に、20年間積み上がった『プラダを着た悪魔』への愛情が巨大な興行エンジンになったんじゃないか、と僕は考察する。観た人向けで詳しく書く。

ちょっと長めの「あらすじ」と補足

　前作から20年。
　かつてミランダのアシスタントを務めていたアンドレア・サックス、通称アンディは、ミランダのもとを離れ、ジャーナリストとしてキャリアを積んでいた。
　一方、ミランダは今もファッション誌「ランウェイ」の編集長として、ファッション業界の頂点に君臨している。

　……とはいえ、何もかもが20年前と同じというわけでなく、時代は変わった。紙の雑誌を取り巻く環境は厳しくなり、「ランウェイ」もまた存続の危機に直面。さらに、ミランダ自身にも批判の目が向けられ、かつて絶対的な権力を誇った彼女も、時代の変化と無関係ではいられなくなっていた。

　そんな中、アンディは再び「ランウェイ」と関わることになる。そこで待っていたのが、かつてミランダのアシスタントとしてアンディとしのぎを削ったエミリー。
　しかし、20年前とは立場がまるで違う。エミリーは現在、ラグジュアリーブランドの幹部。かつてミランダの命令に右往左往していた彼女が、今度は「ランウェイ」の存続を左右するほどの力を持つ側になっていた。

　そしてもちろん、ミランダの右腕として今も「ランウェイ」を支えるナイジェルも健在。

　アンディ、ミランダ、エミリー、ナイジェル。20年前、同じ職場で働いていた4人が、20年という時間を経て再び交差する。

　ただし、今度の敵？　はミランダだけじゃない。ファッション業界そのものが変わり、雑誌というメディアのあり方も変わってきた。かつて「ランウェイ」の編集部を支配していたミランダが、この時代をどう生き残るのか。いかようにして、アンディは20年前に別れたミランダと、もう一度向き合うことになるのか。あの「悪魔」は、20年経ってもまだ健在なのか。
　そしてアンディたちは、20年前とは違う答えを見つけられるのだろうか……

　と、僕が書いていいと思う範囲で書くと、こんな感じ。さて、なんでこんなに長く書いたかって？　これは、アドバイスなんだ。というのはね、この映画、物語の中心が「アンディの物語」なのか「ミランダの物語」なのか、途中でちょっと揺れるし。交差する。前作は圧倒的にアンディだった。「田舎から出てきた普通の女の子が、悪魔のような上司に出会う」これだけで一本の映画になっている。でも今回は、「アンディの現在」「ミランダの危機」「ランウェイの経営」「エミリーの現在」「20年前の因縁」「紙媒体の衰退」とかそんなもん全部が同時に進む。
　だから、あらすじを整理すると「なるほど、こういう話だったのか」となるんだけど、観ている最中に一本の強い物語として入ってきにくい。ということが僕にあった。これは、僕の体験から生じたことで、まだ観ていないのなら、君もここまでは入れてもいいと思える情報、老婆心かもしれないが、ここに記す。

面白いと思うところ

　なんといっても、20年ぶりにアンディ、ミランダ、エミリー、ナイジェルに再会できること。ファッション業界を舞台に、前作から変わった彼女たちの立場や関係を眺めるだけでも楽しい作品。さらに、現在のファッションやメディアを取り巻く環境が物語に反映され、20年という時間の流れを感じられるとこ（見比べるとすごく面白いんだ）。華やかな衣装とニューヨークの街並みも健在。そして現在も変わらず、アン・ハサウェイの美しさには驚かされるんだ（面白いところかってツッコミが入るかもしれないが、本作品の魅力であることに間違いない）。

　と、書いた後にこれは言っておきたいこと思った点が３つある。３人の女性についてだ（ごめんね、ナイジェルｗｗ）。

ミランダの話。「ミランダ」と「コンプラ」の時代

　ここね、めちゃくちゃ面白い。これは、観る前から危惧したところｗｗ
　前作が公開された2006年と、2026年では、「ミランダ」の見え方がまるで違う。前作を観たときは、「うわ、最悪の上司！」と思いながらも、「でも、こんな人がトップにいる世界ってカッコいいな」という魅力があった。
　ミランダは怖い。でも仕事ができる。
　そして、その恐怖を含めて「プロフェッショナルの世界」の象徴だった。

　ところが今、同じことをやったら、「いや、それパワハラでは？」ってなるよねｗｗ　だから今作のミランダは、前作ほど「悪魔」として描けない。
　むしろ、ミランダを悪魔として描くこと自体が時代遅れになった。僕はこれ、続編としてすごく面白いテーマだと思う。ただし映画は、それを真正面から批判したりもしない。ミランダを現代的に再解釈しつつも、結局は観客に愛される「ミランダ」でいさせる。
　だから、「ミランダ、怖い！」
　ではなく、ミランダは、まだミランダだなあ
　というノスタルジーになっている。ここが今作の最大の特徴かもしれない。

エミリーの話。偉くなったね、「ミランダ」門下の２人

　今作のエミリーは、なかなか良かった。とりあえずスポットがあたっている。
　前作では、ただアンディのライバルだった。
　アンディに冷たくて、ミランダに忠実で、ファッション業界に命をかけている。でも20年経ったら、エミリー自身が成功している。
　そして面白いのが、エミリーはミランダに似た人間になったわけじゃない。ここがいい。

　ミランダの下で働いていたからといって、ミランダになる必要はない。エミリーはエミリーのやり方で成功した。これって実は、アンディにも通じる。前作のテーマのひとつは「ミランダのようになるのか、それとも自分の道を行くのか」だった。20年後には、アンディもエミリーも、それぞれの方法で自分のキャリアを築いている。
　だから今作は、「ミランダから卒業した２人の女が、もう一度ミランダと出会う話」とも読める。これ、僕は結構好き。

そしてアン・ハサウェイ

　僕のアン・ハサウェイって、『プラダを着た悪魔』⇒『マイ・インターン』が軸・正統イメージ（彼女に合っていて、はまり役）なんだけど、気がつくと『レイチェルの結婚』『ダークナイト ライジング』『レ・ミゼラブル』『インターステラー』『オーシャンズ8』とか、すげえ作品に出ている。しかも、もうすぐ日本でも上映、注目度大のクリストファー・ノーラン監督の最新作『オデュッセイア』にも出ているって話。ノーラン作品に、彼女が出演するのは三作品目？　もっとあるかな。って、何が言いたいかって、彼女、もう完全にすごいじゃん！　あの時はまだ、そこまでじゃなかった。こんな大物じゃなかった。でも、全部『プラダ～』から始まったんだ、彼女のシンデレラストーリー。

　そして2026年。彼女が帰ってくる。アンディとして。これ、ものすごくいいよね。
　20年前のアンディを演じたアン・ハサウェイ自身が、20年のキャリアを積んで帰ってきた。だから『プラダを着た悪魔2』って、実は映画の中の20年だけじゃない。アンディの20年。アン・ハサウェイの20年。そして僕たち観客の20年が全部重なっているんだ。

　ということで、言っちゃえば、映画そのものが普通でも、観客が泣けたり嬉しかったりする理由はここなんじゃないかな。それに「思い出補正」、あると思うよ。そもそも悪いものじゃないんだよね。「あの頃好きだった映画の人たちが、20年経ってまだそこにいる」それだけで、ちょっと嬉しいもんだよね。

HARU

「正しい続編」っていうのはね、僕が納得したい。ってことなんだ。

PENくん

作品は違えと、呪術廻戦の虎杖の「正しい死」みたいな考えね。

こういう人にお勧め

　前作『プラダを着た悪魔』が好きだった人は、四の五の言わずに、観ましょう。お勧めとかじゃない、観ましょう。安心していいですよ、正しい続編ができました。これは、いい。立役者はアンディ、だけじゃない、ミランダ・エミリー・ナイジェル。彼女らの「20年後」が気になるなら、観て損はありません。また、ファッション映画が好きな人、アン・ハサウェイやメリル・ストリープのファンには強くお勧め。逆に、この２人にとって、『プラダ～』は絶対だよね。で、今回の『～２』は前作を知らなくても楽しめますが、とは言いません。できれば鑑賞前に前作を観てほしい。そして、できれば時間もあけて欲しいところですが、さすがに20年は簡単じゃない。いかん、僕はいつの間にか少しばかり興奮していた。20年ぶりの再会だからこそ、味わえる楽しさがあった。

　前は案件みたいに「Netflix」への加入を勧めるようなことを書いたが、『プラダ～２』が観られるのは「Disney+」だけ。まだ未加入ならこの機会に入ってみてはいかが。こういうのは、キッカケだよね。僕は『SHOGUN 将軍』の時に入ったｗｗ　ただ、ドラマって言うより、やっぱ「マーベル」「スターウォーズ」だよね。あと「ピクサー」ね。そう言えば、『アバター３』も観られるんだった。また観なくては！　あとね、感覚的には「Netflix」に入っている人の方が多いと思うんだ。でも、映画好きは「Disney+」だよね！　とか、ちょっと危険なことを言って、〆る。

　そう言えば「メリル・ストリープ」が出演する映画記事も書いたばかり。こちらもよかったら読んで欲しいね。あと、同じく「Disney+」で独占見放題の『アバター３』。こちらも是非。

『ドント・ルック・アップ』あらすじ付き作品紹介及び批評

基本情報　Netflixオリジナル映画、2021年に配信された『ドント・ルック・アップ』について紹介します。監督はアダム・マッケイ。上映時間は138分。主演はレオナルド・ディカプリオとジェニファー・ローレンス。ほか、メリル・ストリープ、ケイ…

dokushobiyori.org

2026.08.01

『アバター：ファイヤー・アンド・アッシュ（アバター３）』あらすじ付き作品紹介及び考察について

基本情報火のあとに残るもの、そして「キリ」という存在　映画『アバター』シリーズは、観るたびに「時間の感覚」が狂います。上映時間は確かに長い。しかし体感はそれ以上……これ、きっと共感できるでしょう。　『アバター：ファイヤー・アンド・アッシュ』…

dokushobiyori.org

2026.01.12

観た人向け

批評（正しい続編について考えてみた）

　ねえねえ、やっぱりちょっと内容分かりづらくなかった？
　最終的には、エミリー側の思惑も絡んだ買収計画が動き、ミランダが編集長の座を守れるかどうかが大きな問題になる。そしてアンディがミランダを救う方向に動き、結果、ランウェイが存続する道が残される。……と、こう書くと分かるよ。でも映画を観ている最中は、これが案外分かりにくい。

　というのも、前作はものすごく単純だったんだよね。アンディがミランダの下で働く→仕事ができるようになる→その代償として自分の生活が壊れていく→そしてアンディは「私は何をしたいのか」を考える……こんな感じ。だから僕たちは何も迷わなかった。ところが『～2』は、ランウェイの経営危機、紙媒体の衰退、デジタル化、アンディの失職、ミランダのスキャンダル、エミリーの立場、買収話……と、いろいろな問題を詰め込んでいる。
　だから、「20年後の彼らを見せる」という目的に対し、複数の問題が錯綜し、複雑となって、ちょっとブレた。と考え、僕はここのところ、なんか、惜しいと思った。

　それで、嫌味な奴が「傑作かって？」と聞けば、僕は言う。「いや、内容はそうでも……だけど──

　だって、前作のあの異様な完成度を考えると、やっぱり違う。前作は「ファッション映画」でありながら「仕事映画」であり、「成長映画」であり、さらに「自分らしく生きるとは何か」という青春映画でもあった。ということを僕たちは『～2』を観る前から、全部知っている。だから、予見した、超えることは出来ない、と。じゃあ——作戦は何だ。本作では何をした？——前作のファンが喜ぶものを大量に置いてくることにしたんだ。アンディ、ミランダ、エミリー、ナイジェル……キャスト変更だけは、絶対のNG。それでは意味がない。舞台は変わらずに、ランウェイ、ニューヨーク、ファッション……

　だから、観ていると懐かしく、楽しい。でも、楽しいのと、面白い物語なのとはちょっと違う。僕はここが、この映画の核心だと思う。「思い出補正」という言葉は、ここに的確。
　本作は、続編というより、「20年前に好きだった映画の同窓会」なんだと思う。

　だから、ファンは楽しい。僕たちは彼女たちに会いたかった。20年後のアンディはどうなった？　エミリーは？　ナイジェルは？　そしてミランダは？
　それを見せてくれるだけで、ある程度満足できる。だから興行的に成功したのも、僕はすごく納得する（合点がいった）。

　これは「映画が大ヒットした」というより、『プラダを着た悪魔』という記憶が大ヒットした部分がかなり大きいんだって、理解できた。

　あとは、結果として良かった、面白かったのは「アンディはミランダから逃げたのに、結局、ミランダと同じような仕事の世界に戻ってきた」というところ。前作のアンディは、「私はこんな世界に染まらない」と思っていた。でも20年後のアンディは、もう完全にプロフェッショナルなんだよね。ミランダに怯えていた女の子が、ミランダと対等に会話している。
　それはつまり、アンディはミランダを倒したのではなく、ミランダのいる場所まで来たということでもある。
　これ、僕はかなり好き。ただし、そこから先に「ではアンディは何を選ぶのか？」というところを、映画がもう一段深く描いてくれたら、もっと良かった。
　だから僕の答え（評価）は、こう。「傑作ではない。前作を超えていない。メッセージも弱い。でも、20年ぶりに会えて嬉しかった。」分かった──『プラダを着た悪魔2』は、20年前の映画を超えるために作られた続編ではなく、20年前の映画を愛している人たちに、もう一度会わせるための映画だった。

　続編とは、愛すべきファンに贈る作品であるべき、なのかもしれないその点で、成功している。これが、正しい続編なんだろう。

　それにしても、アン・ハサウェイはまだまだ現役、綺麗だったなあ。すごいや、って、一応調べたところ、なんと彼女はまだ御年43。なんか、納得。勝手に50に近いと思って、これを書いていた。なるほどね、あの時の彼女はまだ23だったのね、あまりに違う世界にいると、こういうところ分からなくなるよねｗｗ
　最後に、もし、まだ君が「マイキー・マディソン」を知らないのならば、この映画は必観ですよ。若かりし頃のアン・ハサウェイみたいなんだ。ぜひ！

『アノーラ』あらすじ付き作品紹介及び批評

基本情報“アンチ・シンデレラストーリー”の衝撃　監督はショーン・ベイカー、2024年のアメリカ映画です。上映時間は139分。本作は2024年のカンヌ国際映画祭で最高賞パルムドールを受賞。さらに2025年のアカデミー賞では作品賞・監督賞・主演…

dokushobiyori.org

2026.03.29

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基本情報

　ええ、40歳のおじさんですが、若作りに励み・筋トレを頑張って、決して40歳には見えないお兄さんですがww、『ちいかわ』にハマっている。我が家では同い年の妻と、小学校４年生の娘も、とにも『ちいかわ』に夢中だ。もちろん（なんの「もちろん」だよって話ですがｗｗ）、彼女たちのほうがやれグッズなんかも欲しがることで、ガチよりだ。それに私は、新参者であって、こう書くのもあれだが、信じていなかった口だ。もう何年も前から世間で流行っていたことは知っていたが、正直、理解しかねていた。だいたいなんだ、『ちいかわ』って、と会社の若いのに聞けば、教えてくれた。「なんか小さくてかわいいやつ」だと言うわけだ。それに私は「はあ、嘘つけ」そんな冗談にかまってなどいられないと、一蹴したが、コレがどうやら本当の話だというじゃないか。

　これは「基本情報」じゃない、ただの与太話じゃないかと君は言うかもしれないが、違う。大事な序章なんだ。私と、『ちいかわ』との出会い、そして気がつけば映画館に足を運ぶまでになった経緯を説明したい。

　『ちいかわ』は、原作ナガノによるマンガで、現在「めざましテレビ」で火曜と金曜の朝７時半くらいから１分ほどの超ショートでアニメ放送されている。

　主要キャラは３人？　匹？　で、こんなやつらだ。

　左から「ちいかわ」、「ハチワレ」、「うさぎ」という順番（我が家も、コミックス買いました。全編カラーで、けっこういいお値段するけど、マンガも面白い）。この小さくてかわいい子たちなんだが、その内、ちゃんと話すことができるのは「ハチワレ」で、ちょっと話すことができるのが「ちいかわ」。で、「うさぎ」は叫んだり暴れたりで、相槌のようなことはできるが、喋らないときている。

　これに、……「はあ」と、ため息交じり、昔の私と同じようなリアクションをしている読者が目に浮かぶ笑

　が、とにかく。可愛いんだ。私は特に「うさぎ」。「ハチワレ」の声も、「ちいかわ」の優しさも……って、まるで説明になっていないって？　それもそうだな。よし、面白さはアトでゆっくり書くとして、「基本情報」に戻ることにする。

　待て！　これではニワトリ。もう忘れたって話ではない。聞けば、なかなか流行っているらしいぞ。観た友人は、ちゃんと面白いという。しかもだ、特典があるぞという。それで私、我が家は映画館に行くことにした。地方の、土曜だが、イオン営業前の9時台だって云うのに、イオンシネマは混んでいた。ジュースが、ポップコーンが、の列は長い。やっとの思いで買って、中に入ると、あらまあ。予約の時から埋まっている方だなあ、なんて思っていたが、当日は、ほぼ満席だった。組と組を挟んで空席がひとつ、くらいなもので、大盛況。

　驚いた私、妻に聞く。「えっ、公開から２週間たっても、まだこんなに？　そんなに『ちいかわ』ってすごいの」これに妻「流石にね、そんなことはない。コレのせい」と言う。

　イエス、シール。すごいよね、小学生の女の子はみんなやっている。から、平成女子、昔も流行っていたらしいからね、そのリバイバル。『BONBON　DROPU』、そう「ボンドロ」ってなかなか買えないよね？　マジでどこ行っても売ってねえ。が、二度ほどお目にかかれまして、興奮した。一緒にいた娘は飛び跳ねて喜んだ。気がつくと財布の紐は緩み、散財した。ああ、脱線。

　そうなんですよ！　「ボンドロ」が貰えるという大特典があったからです。だから我が家もご多分にもれず、本当は盆にでも行こうかねえ、なんて話をしていたところ、それに私はまだ仮だったのですが、予定を早め、私も行くことになって、８月８日（土）の朝一番の上映に観に行きました！

　これ、正規のシールより一回り小さいのだけど、とても可愛い（個人的には、そしてあくまで私の意見だけどね、サイズは一緒にして欲しかったな……言うなよってツッコみ入るけど、というか貰えるだけでありがたいんだが、規格は一緒に……ボンドロは貴重だからシートシール収納の人が多いと思うんだけどな……もうちょっと隙間あってもいいからさ、同じにさ……もう、止めておこう。どこかから怒られそうだ）。

　という特典特大脱線したが、違うんだ。それだけなら私は書かない。僕が言いたいのは、『映画ちいかわ　人魚の島のひみつ』を観たんだけど、とてもよかったって話。この映画、ただの子供映画じゃないよ。可愛い面しているけど、なかなか深い。だから記事にすることにした（詳しくは魅力同様、後述する）。

　2026年７月24日より公開。原作・脚本はナガノ。監督に及川啓、上映時間は99分。公開14日間で観客動員数350万人、興収50億円を突破！　このペースだったら、100億行っちゃうかもね。大ヒット上映中！

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簡単なあらすじ

イラストレーターのナガノが2020年よりX（旧Twitter）にて原作漫画を連載し、「日本キャラクター大賞グランプリ」を3度受賞、22年に放送開始されたテレビアニメもYouTubeでの見逃し配信総再生回数が4億回を超えるなど、数々の社会現象を巻き起こしてきた大人気コンテンツ「ちいかわ」をアニメーション映画化。原作者・ナガノによる完全監修のもと、原作漫画シリーズの中でも特に人気の高い長編エピソード「セイレーン編」を映像化し、とある島を訪れたちいかわたちが繰り広げる大冒険を壮大な音楽と迫力の映像で描き出す。

ある日、広場でくつろいでいたちいかわとハチワレのもとに、顔にチラシを貼り付けたうさぎが現れる。ハチワレがチラシの内容を確認すると、それは「特別な島」への招待状だった。「島でのカンタンな討伐で100倍の報酬をもらおう」「限定島ラーメンに限定スイーツ、甘いもの辛いもの全部実質無料」といった言葉に釣られて島合宿に参加することを決めたちいかわたちは、チラシの内容を怪しがるラッコとともに船に乗り込み、島に上陸するが……。

「ウマ娘　プリティーダービー　新時代の扉」などのCygamesPicturesがアニメーション制作を担当。

映画ちいかわ　人魚の島のひみつ : 作品情報・声優・キャスト・あらすじ – 映画.com

面白いと思うところ

　そもそも『ちいかわ』って、可愛くて、ハッピーに見えても、結構ダークなんだ。というのが、まずは僕が思う前提条件ね。その上で、『ちいかわ』の面白いところを整理すると、３つあると思う。

「可愛い」と「不穏」が同居していること。

　キャラクターは小さくて、丸くて、表情も愛らしい。ところが、その子たちが暮らしている世界は、決して「可愛いだけの世界」ではない。仕事をしなければならない。報酬を得なければならない。危険なものを討伐することもある。頑張ったからといって、必ずしも報われるわけではない。ここが、ものすごく面白い。
　普通の「可愛いキャラクターもの」なら、可愛らしい世界そのものが安心できる場所になっている。でも『ちいかわ』では、可愛い姿をした小さな生き物たちが、わりとシビアな現実の中で生きている。
　だから「可愛い」の裏側に、いつも「大丈夫かな？」がある。

「努力すれば幸せになれる」という単純な世界ではないこと

　これ、僕は『ちいかわ』のかなり重要なところだと思う。頑張る。働く。怖いものと戦う。友達を助ける。それでも、世の中は必ずしも自分の思い通りにはならない。だからこそ、「ちいかわ」たちが「小さな幸せ」を手に入れた瞬間が、ものすごく嬉しく感じられるんだ。おいしいものを食べる、友達と一緒にいる、何かをもらう、ちょっとしたことで喜ぶ、そんなこと。これは、「幸福のハードルが低い」のではなく、「幸福が大きなものではなくても、それを幸福として受け取る力がある」と僕は感じるんだ。

善悪が単純じゃない。

　ここは特に大人がハマるところだと思う。『ちいかわ』の世界って、「こいつが悪者です」「こいつを倒せば全部解決です」という構造だけではない。立場が違えば見える世界も変わる。誰かにとっての幸せが、別の誰かにとっては不幸になることもある。
　そして、それを可愛い絵柄でやってしまう。この「可愛い絵柄と、割り切れない現実」の落差が、『ちいかわ』独特の毒なんじゃないかなと思う。これよ、ハマるよ。

　で、今回の映画『映画ちいかわ　人魚の島のひみつ』なんだけど、今回の映画は原作のいわゆる「セイレーン編」を劇場アニメ化したものなんだけど、もちろんここではネタバレは避ける。まず、「『ちいかわ』なのに、ちゃんと冒険映画になっている」。長尺、こんなに長く動いている「ちいかわ」たちを、僕はまだ見たことがなかったもので、まずそれが面白かった。そして、普段の短いエピソードで感じる「ちょっとした不安」や「妙な怖さ」が、映画になることで大きく膨らんだ。
　そしてもう一つ。可愛いから怖い。これがね、今回の映画を語るうえでかなり重要だと思う。
　怖いものが怖いのではなく、あの『ちいかわ』の世界で起きてしまうから怖い。普段なら「かわいいなあ」と眺めているキャラクターたちが、危険な状況に置かれる。その瞬間、観客側がキャラクターに対して抱いている愛着が、そのまま緊張感になる。
　実際のところ、公開直後の映画レビューでも「可愛いは大前提だけど、内容は重い」「子供には怖いかもしれない」といった感想が目立っているのは君の耳にも入っているのではないだろうか。

こういう人にお勧め

　ここで僕が『ちいかわ』を、単純に「可愛いキャラクターが好きな人」だけで推してもいいが、当然それだけじゃない。それはもちろんなのだが、この映画、見た目で騙されちゃいけない。深いぞ。ただ、例えばどんな人に、と言うのならば、「可愛いものが好きだけど、ちょっと毒のある作品も好きな人」「ほのぼのしているのに、どこか不穏な物語が好きな人」「単純な勧善懲悪ではない作品が好きな人」「大人になって、現実の理不尽さを知っている人」とか、そう、毒・不穏・単純な～・理不尽……そんなキーワードだけで、「好き！」って、ならこの映画、かなり相性がいいと思うね。

　僕はさ、『ちいかわ』って、可愛いキャラクターが怖い世界にいる作品じゃないと思う。「可愛い」と「怖い」が、同じ世界の中に最初から存在している作品なんだと思うんだよね。……伝わるかな？　観た人向けで、ちゃんと書くよ。だけどもし、まだ観ていないのならば、観てからおいでませ。この記事のメインは言わずもがな、観た人向けで僕が長ったらしく好き放題書くところなんだ笑　面白いものにする。君を、ハッとさせたい。

観た人向け

批評、好き放題に長文。『ちいかわ』はなんのメタファーだろうか

　さて、ここからが長いぞ。むしろ、ここからが僕の語りたいところ。これまでは全部、ただの紹介にすぎない。
　まずはおさらい。鑑賞後に、携帯にメモをしたことをざっと書く。

　あれ、これ『銀河鉄道９９９』じゃね、美しきメーテル！　じゃなくて鉄郎が永遠の命求めて機械の体を……が乾電池なわけね。なるほどメルヘン、可愛いものだ。

　毒親セイレーン。人魚たちと遊ぶ。視野が狭めえ、身勝手なやつだ。いるいる。顔無し葉っぱ１枚くん（ヒトハ）と２枚ちゃん（フタバ）の２人組のうち、1人がセイレーンの背びれドーンで死んじゃう。辛い……寂しいな。←復讐心はなし、仕方ない。　あっ！　そう言えばあの人魚を食べれば永遠の命が手に入ると聞いたぞ。ほな、ハントして食べるわけで、ほんまや！　電池式になったぞ、これで永遠。これにセイレーンはブチ切れ。復讐だ、関係ない人まで巻き添えで皆殺し。見境ない犯人捜しの時間だ。

　ハチワレ：討伐って、いいことなんだよねえ……
　ちいかわ：見ちゃった。どうすればよかった……

　これは、投げかけだ。

　エンドクレジットの後に、バレたバレたぞ、２人は別の島に逃げる。が、残酷。追う、セイレーン。

　と、こんな話だったわけで、僕は、この映画のメタファーは、かなり大きく言えば、「欲望と、その欲望によって生まれる搾取」なんじゃないかと思う。
　ただし、これだけだとちょっと普通で、もう一段深くすると、「自分が被害者だと思っている人間も、別の誰かにとっては加害者になり得る」という話に見える。

　これが『ちいかわ』の恐ろしいところなんじゃないかな。たとえば、映画の導入からしてそうだった。「簡単な仕事で100倍の報酬」「美味しいものが食べられる」「特別な島へご招待」……魅力的だよね。これ、僕たちの現実社会でも、そういう「おいしい話」ってある。楽して稼げる。限定商品。無料。特別待遇。あなたにだけ教える秘密……『ちいかわ』では、それがものすごく可愛らしいキャラクターたちに提示される。
　でも、観客はだんだん「待てよ」と思う。そんなにうまい話があるか？
　これって、現代社会そのもののメタファーとして読めるんじゃないかな。

　そして、もう一つ僕が面白いと思うのが、「食べること」。ここはかなり重要な気がする。『ちいかわ』では食べ物がとにかく魅力的に描かれる。ラーメン、スイーツ……。映画でも島の魅力として食べ物が前面に出てくる。
　でも「食べる」という行為は、実はすごく残酷でもある。生きるためには食べなければならない。その一方で、自分が食べるということは、何かを消費するということでもある。
　つまり、「生きるために誰か／何かを消費する」という、人間の根源的な矛盾まで見えてくる。
　ここまで考えると、『ちいかわ』って「可愛いキャラクターの日常漫画」じゃなくて、かなり変な作品なんだよ。
　だって、「ちいかわ」たちは、働く・稼ぐ・食べる・欲しがる・怖がる・友達を助ける……という、ごく普通の人間の営みをしている。
　ただ、それを人間よりずっと小さくて、弱くて、可愛い存在にやらせている。
　だから、こっちが勝手に自分を重ねてしまう。
　そして今回の映画では、それが「島」という閉じられた場所に持っていかれる。島って、映画では単なる冒険の舞台だけど、メタファーとして考えるなら、僕にはちょっと「社会の縮図」にも見える。
　そこには「欲しいもの」がある。「報酬」がある。「食べ物」がある。「誘惑」がある。
　そして、その裏側に「誰かの事情」がある。そう考えると、タイトルの「人魚の島のひみつ」って、単に「島に隠された秘密」というだけじゃなくて、「自分が見ている世界の裏側には、何が隠れているのか」という問いにも見えてくる。

　ということはだよ、『ちいかわ』は「弱い者が強い者に食われる世界」のメタファーではなく、むしろ「誰もが誰かを食べながら生きている世界」のメタファーなんじゃないか。……おお、なんかちょっと怖くなってきたｗｗ。
──可愛い。だから油断する。笑う。だから怖さに気づくのが遅れる……そして最後に、「あれ？　これって僕たちの世界と同じじゃない？」と気づかされる。可愛さは、この作品の「カバー」じゃない。可愛さそのものが、メタファーを成立させるための仕掛けなんじゃないだろうか。

　僕が使う「メタファー」って、まんま「暗喩」、そこに隠された「メッセージ」、とかじゃなくて、要は作者の答え（意図）を当てるゲームじゃなく、「この作品、こう読めるんじゃない？」と読み手が好き勝手に考えることなんだよね。当てるのは、考察だ。だから、僕のは批評。これが楽しい。

　まず、セイレーン。僕はセイレーンを、単純な「悪役」だとは思いたくない。むしろ、「満たされない欲望」そのもののメタファーとして見ると面白いと思う。
　セイレーンは「歌」によって相手を惹きつける存在だよね。古典的なセイレーンのイメージでも、歌は誘惑の象徴になっている。
　つまりセイレーンは、「こっちに来れば、あなたの欲しいものがあるよ」と呼びかける存在。これって、今回の映画の冒頭にある「簡単な討伐」「100倍の報酬」「食べ物」という誘惑と、かなり響き合っている。
　そして重要なのは、誘惑される側も、別に馬鹿だから引っかかるわけじゃないということ。欲しいんだよ。お金が欲しい。美味しいものが食べたい。楽をしたい。いい思いをしたい。それは悪い欲望じゃない。むしろ、ごく普通の欲望だ。
　だから、怖い。「欲望を持つこと」自体が罠になり得るから……

　そして、人魚。人魚って、これまで魅力的な存在として描かれてきたでしょう。美しい。海の向こうにいる。人間とは違う。こちら側から見れば、ちょっと神秘的。
　つまり人魚は、「こちら側にはないものを持っている存在」なんだと思う。だから僕は、この映画の「島」を、「欲しいものが存在する場所」とみた。都会でもない。いつもの場所でもない。わざわざ海を越えて行く。そこには、普段とは違うものがある。でも、その「特別な場所」に行くためには、何かを捨てたり、何かを見なかったことにしたりしなければならない。
　これって、僕たちの現実でもあるよね。「ここじゃないどこかへ行けば、もっと幸せになれる」という考え方だ。転職すれば。お金があれば。もっといい暮らしができれば。あの場所に行けば。あの商品を手に入れれば。人間って、いつも「向こう側」に幸福があると思ってしまう。
　だから僕は、島＝「理想郷」と読むのも面白いと思う。

　ただし、理想郷には必ず「代償」がある。ここが『ちいかわ』らしい。「夢の島へ行きました。みんな幸せになりました」では終わらない。
　むしろ、「あなたが欲しいものは、本当にあなたを幸せにするものなの？」というところまで突きつけてくる。
　そして、もう一つ重要なのが「歌」。これ、僕はかなり好きなモチーフなんだ。歌って、理屈じゃない。「この条件ならあなたはこう行動するはずだ」という論理ではなく、直接、心に入り込んでくる。
　だから歌は、「理性を飛び越えて、人間を動かしてしまうもの」のメタファーとして読める。広告だってそうだし、SNSだってそう。「これが欲しい」と思わせる。「みんな持ってる」と思わせる。「ここに行けば幸せになれる」と思わせる。そういうものは、必ずしも論理で僕たちを説得しているわけじゃない。「なんとなく欲しくなる」。セイレーンの歌って、そういうものの象徴として考えると、現代的でちょっとゾッとするんだよ。

　そして、さらに僕が気になるのは、「食べる」と「食べられる」の関係。ここは、さっきの話とつながる。僕たちは食べる側になりたい。でも、世界のどこかでは誰かが食べられる側になる。『ちいかわ』では、それを可愛いキャラクターたちの世界に置き換えている。だから、「美味しいものを食べたい」という小さな幸福が、「誰かを犠牲にしてまで、それを得ていいのか？」という問題に反転する。
　これ、かなり『ちいかわ』の怖さだと思わない？

　つづける、僕がこれは面白いと思う読み方なんだけど、セイレーンは「他者」ではなく、「自分の中にある欲望」なんじゃないか。そう考えると、セイレーンを倒して終わり、という話ではなくなる。だって、自分の欲望は倒せないから。「もっと欲しい」「もっと楽したい」「もっと食べたい」「もっと幸せになりたい」これは誰にでもある。
　だから『ちいかわ』の世界では、怪物を倒したら全部解決するわけじゃない。怪物の外見をしていなくても、怖いものは存在する。
　そして、それは案外、自分の中にもいる。ここまで来ると、僕は『ちいかわ』そのものを、「可愛い姿を借りた、生存競争の寓話」と呼びたくなる。働いて、食べて、欲しがって、怖がって、誰かと助け合って、ときには誰かを傷つけてしまう。それでも生きていく。その姿を、ものすごく小さく、ものすごく可愛く描いている。だから大人が見ると、ふと自分の人生が重なってしまう。「ちいかわ、かわいいなあ」と笑っていたはずなのに、「……あれ？　これ、俺の話じゃないか？」となる。
　僕はそこに、『ちいかわ』の最大のメタファーがある気がする。「ちいかわ」たちは、僕たち自身なのかもしれない。

　この映画、かわいい仮面をつけているせいで、分かりづらくなっているけど（故意だけどね）、内容はちゃんと映画だった。しかも全然可愛くねえ。考えるし、ちゃんと胸糞悪いラスト。色々考えさせられる、本格派だった。

　どうかな。もうお腹いっぱいかな？　でも最後に、まとめ？　のようなデザートがある。
　ヒトハとフタバ。そしてハチワレについて思うことがある。

　まず、ヒトハとフタバ。僕は「顔がない」のではなく、「顔を持つことを許されていない」ように見えるんだ。顔って、すごく重要なものだよね。目があれば、何を見ているか分かる。口があれば、何を言いたいか分かる。表情があれば、感情が分かる。
　つまり顔は、その人を「個人」として認識するためのもの。ところがヒトハとフタバには、それがない。だから観客は、彼女たちの内面を直接読むことができない。これ、単に「ちいかわ世界のデザインだから」で済ませることもできるけれど、メタファーとして読むなら、僕はむしろ、「個人として見られていない存在」を表しているように感じる。
　そして「ヒトハ」「フタバ」という名前も面白い。１人、２人という個人名ではなく、まるで「ひとつ」「ふたつ」と数えられる存在みたいに聞こえる。ここには、「あなたはあなた」という個人性よりも、役割や属性が先にある世界が透けて見える。「この人は何者なのか」ではなく、「何をする存在なのか」で見られてしまう。
　これって、社会では結構あるよね。会社員・店員・客・労働者・消費者……と、名前が消えて、役割だけが残る。
　だから僕は、ヒトハとフタバの「顔がない」を、「個人が役割に飲み込まれていくこと」のメタファーとして読んだ。これも、すごく怖い。

　そして、ここがセイレーンの話ともつながる。セイレーンは「欲望」を象徴しているのではないか、とさっき話した。
　一方、ヒトハとフタバは「欲望のために役割を与えられた存在」として見ることができる。すると、欲望する者と、欲望を満たすために使われる者。という構造が見えてくる。
　これは、かなりダークだ。

　そして、ここでハチワレが登場する。
　僕は、ハチワレを『ちいかわ』の中でも、かなり特殊な存在だと思っている。ちいかわは、基本的に「怖い」「嬉しい」「悲しい」がストレート。うさぎは、そもそも理解不能（笑）。その中でハチワレは、言葉を使って世界を意味づけようとする。「これって○○ってこと？」「嬉しいね」「一緒に頑張ろう」みたいに、出来事を言葉にする。
　つまりハチワレは、「世界を理解しようとする存在」なんじゃないのだろうか。
　そして、だからこそ明るい。世界が優しいから明るいんじゃない。世界を「こういうものだ」と言葉にして、意味を与えようとするから明るい。ここが僕にはものすごく重要に思える。ちいかわは、世界に対して泣く。うさぎは、世界に対して叫ぶ。ハチワレは、世界に対して「言葉」を返す。だから３人組が成立する。ちいかわは感情、うさぎは衝動、ハチワレは言葉……こう考えると、すごく綺麗じゃない？

　僕がハチワレについて一番好きなのは、彼のポジティブさが、必ずしも「世界は素晴らしい」という意味じゃないところ。むしろ逆。世界が怖いからこそ、「でも、一緒なら大丈夫」「楽しいね」「嬉しいね」と、言葉を使って小さな幸福を作っていくんだ。
　これは僕たちにもできる。人生にはどうしたって嫌なことがある。理不尽もある。失敗もある。怖いこともある。それを全部消すことはできない。
　でも、「今日、これ美味しかったな」「この映画、面白かったな」「友達と話せて楽しかったな」と、言葉にすることで、ほんの少し世界を自分の側に引き寄せられる。
　だからハチワレの明るさは、能天気さではなく、生きるための技術なんじゃないかと思う。そう考えると、さっきのヒトハとフタバの「顔がない」とも対照的なんだよね。ヒトハとフタバには、顔がない。ハチワレには、顔がある。そしてハチワレは、言葉を持っている。
　つまり、「自分は何者なのか」を表現する手段を持っている。顔と言葉。それは、「自分はここにいる」と世界に対して言うためのものなのかもしれない。

　だから僕なら、今回の映画を考えるとき、セイレーンは欲望・島は理想郷・ヒトハとフタバは役割に飲み込まれる個人・ハチワレは言葉によって世界に意味を与える力。というふうに置いてみる。
　そして、その全部を包んでいるのが『ちいかわ』なんじゃないかな。
　つまり、「世界は思い通りにならない。それでも、自分が何者なのかを失わず、誰かと一緒に、小さな幸福を見つけていく」という話。
──こうなると、ちいかわ、めちゃくちゃ哲学的じゃない？ｗｗ
　あなたはどう思う。最後にメタファーお兄さんから、まとめを。と言っても、もうここまで読んでくれたのならば、分かるよね。繰り返しだ。『ちいかわ』は、可愛いキャラクターを使った現代社会のメタファーなんだ。きっとね。だから、ハマる。

　皆さんはどう思いましたか？　こういうの書くと、ほんまにそうやったっけ、とか思って、というのもあるし、また観たいなって思う。よし、映画館に行こう！
　あと、いつもそうだけど、今回もちらほら散見された。映画館ではちゃんとジュースとポップコーン買ってね！　持ち込みはダメだよ！　映画好きは、映画を守りたい。というかルールだし、映画館の収益って、ほとんど飲食ですから！　大切な余談。

　なかなかの長文、最後まで読んでくれてありがとう。それではまた次の記事で！
　そういえば映画館ではこれもオススメ！　全部で10パターンあるよ。ぜひ、コンプリートしてみよう。島二郎と同じポーズ、腕組んで、いい写真を手に入れてみよう。

『映画ちいかわ 人魚の島のひみつ』公式サイト

イラストレーター・ナガノ氏が描く、X発の漫画作品『ちいかわ』待望の初映画化！『映画ちいかわ 人魚の島のひみつ』大ヒット上映中！

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基本情報

　Netflixオリジナル映画、2021年に配信された『ドント・ルック・アップ』について紹介します。監督はアダム・マッケイ。上映時間は138分。主演はレオナルド・ディカプリオとジェニファー・ローレンス。ほか、メリル・ストリープ、ケイト・ブランシェット、ジョナ・ヒルなど、豪華俳優陣も出演。

　地球へ衝突する巨大彗星を発見した天文学者──なんて冒頭から香り立つディザスター映画感！　これは！　往年の名作『アルマゲドン』、最近で言えば『プロジェクト・ヘイル・メアリー』感が漂う、嗚呼、これ世界救っちゃうやつ系、ディザスター映画※だ！　ディカプリオさん、カッコイイっす、ジェニファー・ローレンスさん、綺麗っす。とか、話したいことがいっぱいある。が、

　この映画は、できれば何も知らずに観てほしい。だからこの記事でも、できるだけ「途中で何が起きる映画なのか」には触れないように書きたい（もったいない。でも安心して、ちゃんと観た人向けのところでは書くよ）。かくいう僕だって、こんな豪華キャストを眺めながら、「人類を救う映画なんだろうな」と思って観た一人だった。そして、その予想は見事に裏切られた。その裏切り方が、この映画の一番好きなところ。

※「ディザスター映画って何？」って、隣にいた妻から聞かれたから。同じようにここでも簡単に説明しておく。「情報のパッケージで言えば、『アルマゲドン』だよ。要は、“世界は救われる”という約束から始まる映画のこと」って、僕が言えば、妻は「ふうん」と言っただけ。

簡単なあらすじ

　大学院生のケイト（ジェニファー・ローレンス）とランドール教授（レオナルド・ディカプリオ）は、地球へ直撃する巨大彗星を発見。衝突まで半年。このままでは人類滅亡は確実。すぐに政府に、大統領（メリル・ストリープ）に報告。ところが政府は選挙を優先し、テレビはゴシップを優先し、SNSは炎上を優先する。「世界が終わる」と訴える科学者たちは、いつしか”変な人たち”として扱われ始めます。果たして、人類は空を見上げるのでしょうか。

HARU

世界が終わる。と聞いて思い浮かぶ曲はあるかい？

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チャットモンチーの『世界が終わる夜に』でお願いします。

面白いと思うところ

　基本情報のところで書いたとおりだよ、あのはじまりは、ドキドキする。好きなやつだ！　正直、最初は『アルマゲドン』のような映画だと思っていました……豪華すぎるキャスト。「ブルース・ウィリス」のポジションが「ディカプリオ」なのか、でも、なんか役柄は学者だなあ……あ、だけど「リヴ・タイラー」のところが「ジェニファー・ローレンス」なのはいい、個人的にはローレンスの方が好き。あの、青い瞳。これは、世界を救うやつ。と勝手に期待してしまった私がいる。

　ところが物語は、救出劇ではなく風刺劇へ急旋回します。大統領は支持率しか見ない。巨大IT企業は利益しか見ない。テレビは真実より視聴率を優先する。SNSでは「隕石」すら政治利用される。隕石より怖いのは、人間の無関心でした。笑っているのに、笑えない。そんな感覚がずっと続きます。

　ちょっと話すと、変な話なんだ。この現象に似ているのは、新型コロナ禍。あさま山荘事件もそうかも。あとニッチなところで言えば『攻殻機動隊』より、「あなただったらあの現象をなんて名付けますか？」とアオイに言われて少佐が言った「stand alone complex」みたいな回答とか……分からないだろう、伝わらないだろう、でもいいんだ。ここのところは僕のアーカイブとして利用させてもらう。みたいな。

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こういう人にお勧め

　今回、ここのところはネタバレを誘発しそうなので、控えに書く（とも思いましたが、察しがいい人ならきっともう気がついている）。

　まずは、レオ様・ジェニファー・ローレンス・メリル・ストリープほか、豪華すぎる俳優陣で固めているので、好きなら、お勧めできます。と、「ブラックユーモア」が好きな人、政治風刺や社会風刺が好きな人、『動物農場』のような寓話が好きな人、と、ここら辺でやめておきます。本作は、単純なSFではなく、「現代社会」を笑い飛ばす映画なので、人によって評価はかなり分かれると思います（本音）。

　以下、前の映画記事でも同じようなことを書きましたが、本作はNetflixオリジナル映画です。
　ここからは、もし、もしの話なんだけど、僕の話と、君に提案すること。まずは僕の話から。今更なんだけど、入ろう、入ろうとしてから２年ごしにネットフリックスに入った。結果、めっちゃいい。なんたって、ここでしか観られない作品がたくさんある。今回紹介した『ドント・ルック・アップ』もそう、でもなんと言ってもすごいのはドラマだよね！　流行った『サンクチュアリ』に『地面師』だって、最近じゃ『ガス人間』だね、他にもたくさんあるし、観たけど、全部おもろい。比較的初期の『全裸監督』『イカゲーム』……まだ観ていない。楽しみだ。とにかくだ、価値がある。なので、よかったら、もしまだ加入していない、君に提案する。まだの人、ここから入ってみてね。あとね、オリジナル作品はもちろんなんだけど、我が家では僕と妻、特に妻は昔のドラマに夢中ですww　いやあ、サブスクすごい。はい、前の記事では同じくNetflixオリジナル映画の『木曜殺人クラブ』について書いた。これも、面白かった。ご参考までに。

『木曜殺人クラブ』あらすじ付き作品紹介及び批評

基本情報　Netflixオリジナル映画、2025年10月に配信された『木曜殺人クラブ』について紹介します。監督は『ホームアローン』や『ハリーポッター』を手掛けたクリス・コロンバス。ジャンルはミステリー・コメディ（≒コージーミステリー※）で上…

dokushobiyori.org

2026.07.26

『動物農場』あらすじ付き作品紹介及び考察

基本情報基本情報　イギリスの作家、ジョージ・オーウェルの1945年の作品です。オーウェルと言えば、ディストピア小説の金字塔で、「ビック・ブラザーがあなたを見ている」というセリフが有名な監視社会を描いた不朽の名作『一九八四年』が代表作ですね。…

dokushobiyori.org

2024.05.26

観た人向け

ネタバレと批評

　まずはどうでしたか、このブラックユーモア・風刺映画の感想を。何も知らないで、ネタバレしないまま「えっ、この映画、どこに向かうのか」から、ああいうラストになるとは、驚いたね。僕はどこかでディザスター映画を求めていたのに、見事に裏切れたわけです。

　告白する、『ドント・ルック・アップ』の記事を作成するにあたり、ネタバレしない程度にどう書くかあぐねていた時、たとえば、絶対に秘密を共有してはいけない『シックス・センス』のことを思い出したんだ。あの結末は、そのものが作品の核だから、言えない、書けない。だけど、流石にそこまでじゃないと思った。要は、『ドント・ルック・アップ』は「風刺である」と知っていても楽しめる映画なんだ。ただ、「どれほど容赦なく風刺するのか」は、知らない方が衝撃が大きい。つまり、この作品は「事実」ではなく「温度」がネタバレなんだって思ったわけ、「コメディですよ」と言われたら「ああ、そういう方向なんだ」と心の準備をしてしまう。でもだ、「そこまで！　地球おわったやん！」までは想像できまい。あとは、そのプロセスを楽しむ（笑う）ものだと思えばいい。ブラックコメディだ。

　と、この映画を観て真っ先に思い浮かんだのは、ジョージ・オーウェルの『動物農場』でした。どちらも悪人を裁く物語ではありません。人間は集団になると、事実より都合を選び、真実より心地よい嘘を信じてしまう。その怖さを笑いへ変えています。劇中では「Don’t Look Up（上を見るな）」というスローガンまで生まれます。空を見れば分かる事実さえ、政治的な立場によって否定される。これは現代のSNS社会や情報空間そのものへの風刺なのでしょう。一方で、終盤になると若者たちは酒を飲み、恋をし、刹那的に生き始めます。死を前にすると、人は未来への投資をやめ、「今」を生きようとする。その姿はどこかヒッピー文化のようでもあり、人間らしくも見えました。そして、あの食卓。世界中が混乱するなか、家族や友人と手をつなぎ、静かに食事をする。「いただきます」とも言わず、特別な演説もない。最後に残ったのは、科学でも政治でも、お金でもありませんでした。人と人との時間だけです。ただのブラックコメディじゃなかった、最後だけ驚くほど温かい。僕はあの数分間だけで、この映画を好きになりました。

　世界は救えなかった。けれど、人生は最後まで人と食卓を囲むためにある。『ドント・ルック・アップ』は、人類を笑いながら、人間を愛していた映画だった。

“We really did have everything, didn’t we?”

　君は、この映画をどのように観ましたか。想像してみて、あなたは最後に誰と、何をするのだろうか。僕は、大切な人が隣にいたらいいな。それではまた次の記事で！

余談、本当に彗星が来たら？

　映画では「発見から衝突まで約半年」という設定ですが、現実でも地球近傍天体（NEO）の監視は世界中で行われています。ただし、巨大な彗星や小惑星を衝突直前に見つけた場合、現在の技術では対応が非常に難しいケースもあります。一方で、事前に十分な時間があれば軌道変更を試みる研究や実証実験も進められており、2022年にはNASAのDART計画が小惑星の軌道変更に成功しました。つまり、本作ほど絶望的とは限りませんが、「早期発見」が何より重要なのは事実です。だって、と、あとは理解だよね！　早期発見しても、変人扱いされているようでは、助かるものも助かりません、おわりですｗｗ　ほんと、ギャグみたいだね。

　それ系で、面白い動画（結構マジなやつ）があった、こちらもよかったら。

　最後、ほんとうにお勧め！　『ドント・ルック・アップ』が良かったならば、是非！！

『動物農場』あらすじ付き作品紹介及び考察

基本情報基本情報　イギリスの作家、ジョージ・オーウェルの1945年の作品です。オーウェルと言えば、ディストピア小説の金字塔で、「ビック・ブラザーがあなたを見ている」というセリフが有名な監視社会を描いた不朽の名作『一九八四年』が代表作ですね。…

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2024.05.26

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基本情報

　Netflixオリジナル映画、2025年10月に配信された『木曜殺人クラブ』について紹介します。監督は『ホームアローン』や『ハリーポッター』を手掛けたクリス・コロンバス。ジャンルはミステリー・コメディ（≒コージーミステリー※）で上映時間は118分。

　さて続けてキャスト紹介ですが、

ヘレン・ミレン／ピアース・ブロスナン／ベン・キングズレー／セリア・イムリー

　んんん……この名前だけで分かる人いる？　私は誰も知らないよ笑。これで知っている人は相当マニア。ええ皆さま、ご老体でございます。主人公のエリザベスを演じたヘレン・ミレンさん、御年80歳です。ですが、皆々様、大御所です（きっとそうなのでしょう！）。しかし、これではみんながイメージできない。そこで私、日本版で考えてみました。順番に、

吉永小百合／役所広司／柄本明／大竹しのぶ

　……素晴らしい、なんて分かりやすいんだ！　なるほど、大御所じゃん！！ｗｗ
　ちなみにどうしてこうもご老体ばっかりだって言いますと、それはね、彼ら彼女らはみんな高級高齢者施設「クーパーズ・チェイス」の住人なんだ。そしてそこが映画の舞台ってわけ。

（左から柄本明／吉永小百合／役所広司／大竹しのぶ……どうかな？ｗｗ）

　なお原作はイギリスのテレビ司会者・プロデューサーとして知られる「リチャード・オスマン」で、本作がデビュー作。2020年刊行ながら世界的大ヒットとなり、シリーズ化されています、そして映画化権は出版前から争奪戦となったらしいですよ。ふむふむ

　※「居心地の良さ（cozy）」を重視したミステリーで、ライト。ハードボイルドとは正反対。限られたコミュニティを舞台に素人探偵が活躍するのが特徴。このブログでも以前紹介した米澤穂信の『氷菓』なんかが近いですね。

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『氷菓』あらすじ付き作品紹介及び考察

基本情報　2001年刊行。作者は米澤穂信。角川文庫。私が知っている表紙は可愛い女の子だった。アニメ化している。それがなかなか評判がいいとは聞いていた。で、はて「米澤穂信」という。あれれ、たしか私の知っている「米澤穂信」は最近、『黒牢城』で直…

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2026.02.03

簡単なあらすじ

　高級老人ホームで余生を持て余す4人。優雅に暮らす。そんな彼らのひとつの趣味は、毎週木曜日に未解決事件を語り合うこと。その名は『木曜殺人クラブ』。しかし、遊びだ。所詮机上のこと、物足りない……なんて思っていたところに本物の殺人事件が起きた。顔見知りが死んだ。このことを、元看護師・ジョイスは嬉々と走り回り・・・・・・・、そのことをクラブ員に伝える。

HARU

この木曜殺人クラブってタイトル、西村京太郎サスペンス感あるｗｗ

PENくん

英語タイトルもまんまだったなｗｗ

面白いと思うところ

　まさに「コージーミステリー」！　会話劇とユーモアの心地よさがたまらない。本作は、人生の黄昏を描く優しさがあります。

　老人ホームが舞台なのに、「老い」の映画ではない。一般に、「老い」は「衰え」として描くことが多いと思うのですが、この映画では、「老い」は「経験」という最強の武器になっている。若者にはない交渉力、人脈、観察眼、ユーモア。その積み重ねが事件解決につながる。例えばそう、老人だから見逃される、警戒されない、それを逆手にとって捜査。こういうところ、面白い。

　この作品はね、観終わった後に、「歳を取るのも悪くないな」と少し思わせてくれるんだ。

　で、そこでいきなりだけど君にクイズ、これなぁんだ。

IKT

　さすがに笑った。さあ、なんのことだろう。ユーモアだ。DAI語だよ。答えは観た人のところに書いてあるけど、ぜひ、劇場で、じゃないけど、映画を観て下さいな。面白いよ。

　※映画はネットフリックスで観ることができます。

Netflix

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こういう人にお勧め

　まずは、ありがとう。じゃないが、とりあえず映像が綺麗だね。いやあ、映画は派手なアクションじぇけえ、とかはもう古い。歳をとったせいか、少し趣向が変わった。派手さより、背景に……なんて、うまく言語化できないけど、外見より中身重視みたいに言ってみるｗｗ

　ということで、「派手なアクションより会話劇が好き」だとか、ミステリー好きに、あと少し大人の映画な気もする。たとえばあの２人がどうするのか、なんて分かりきっていたが、先が読めちゃって……なんて思わないくらいにはなった。それを、じんわり受け止める人に（ごめんね、これじゃあ分からないだろう、そう思う。でも、観た人が、観ていない人に、ああこの人なら、という風に、少し選ぶかもしれない……）、是非。大人なコメディ好きに。

　ここからは、もし、もしの話なんだけど、僕の話と、君に提案すること。まずは僕の話から。今更なんだけど、入ろう、入ろうとしてから２年ごしにネットフリックスに入った。結果、めっちゃいい。なんたって、ここでしか観られない作品がたくさんある。今回紹介した『木曜殺人クラブ』もうそう、でもなんと言ってもすごいのはドラマだよね！　流行った『サンクチュアリ』に『地面師』だって最近じゃ『ガス人間』だってそう、他にもたくさんあるし、観たけど、全部おもろい。比較初期の『全裸監督』『イカゲーム』……まだ観ていない。楽しみだ。とにかくだ、価値がある。なので、よかったら、もしまだ加入していない、君に提案する。まだの人、ここから入ってみてね。あとね、オリジナル作品はもちろんなんだけど、我が家では僕と妻、特に妻は昔のドラマに夢中です笑　いやあ、サブスクすごい。はい、次は、同じくNetflixオリジナル映画の『ドント・ルックバック』を記事にする予定です。ご参考までに。

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観た人向け

ネタバレと批評

３つの殺人、愛の為に超えてしまった一線

　そうだった、愛だった。思いだしてみよう。本作の内容の整理をすればこんな感じだ。

２つの事件、殺人が起きた。そしてそれは、冒頭に、クラブで議論した1970年代の未解決事件がクーパーズ・チェイスの墓地で一本化される。そして多層的な解決が物語の核となる。

ひとつめの事件は、ボグダンが加害者。パスポートを奪われた移民搾取の末、揉み合いでトニー・カランを致死。スティーヴンのチェス録音が自白断片の手掛かりになる。

ひたつめの事件はジョン・グレイが住民デモの混乱でイアン・ヴェンサムへフェンタニルを注射し、殺した。その動機は妻ペニーの秘密と尊厳を守るためという情の正義。

1970年代の事件は、元警官ペニーがピーター・マーサーに私的制裁を行ない、ジョンが墓地へ埋葬した。終幕はホスピスでの静かな最期と、ジョイスの正式加入という絆の継承へ。

　作中で起こる犯行は、いずれも「私利私欲」ではなく「誰かを守るため」に行われたんだ。
　ボグダンは移民搾取から家族を守ろうとした。ジョンは妻ペニーの名誉を守るために行動した。ペニーは制度が拾えない犯罪に対し、私的制裁を選んだ。……このように一括りに同じ「罪」も動機が異なるため、僕達は単純な善悪の二元論では裁けない（はずだ）。ここには「愛は時に法を超える」という人間の複雑さが表現されているのと思う。

２つ並んだ棺桶

　知り合いが死んだ。嬉々と走り回り、それを伝える。僕は少し気味が悪いと思った。これじゃあ、死が軽くなる。……待て、違った。この作品は「殺人」ではなく「死」を描いているんだ。

　普通なら欠点になりそうな部分だけど、この映画では「死を軽く扱っている」のではなく、「死を人生の一部として受け入れている」という価値観なんだよね。
　そして最後の２つ並んだ棺桶。あのシーンで、この映画がただのミステリーではないことを象徴しているのだと思った。

　普通のミステリーなら、死は事件になる。しかしこの作品では違う。老人ホームという舞台では、死は日常の延長線上にある。だから悲しみを過剰に演出しない。
　むしろ、残された時間をどう生きるか。そこへ物語の焦点を移している。この軽さは、命を軽視しているのではない。死を人生へ組み込んでいるのである。

　あの死を、エリザベスは止められなかったのか？
　→あのシーン、よかったよね。きっと最期になる、とエリザベスも思った。でも止めなかった。……止められなかった。なぜなら、最後の決断だけは本人のものだから。ここではMI6だった彼女でも無力になる。国家は救えても、人生の終わり方は本人しか決められない。この対比が美しい。

　２つ並ぶ棺桶。綺麗だったね。普通なら涙の場面だ。でもこの映画は静かだった。悲劇ではなく、長い人生の終幕。だから切ないのに温かいんだ。

余談（M16とIKT）とまとめ

　MI6（正式名称：Secret Intelligence Service, SIS）は、イギリスの対外情報機関で、国外の安全保障や外交に関する情報収集を担うそうです。要は、都市伝説的なやつ。1909年の設立以来、長らく存在が公にされず活動していたそう、が、1994年にようやく法的に認められたって話。驚き。有名なのはジェームズ・ボンドの『007』としても知られていますが、実際には冷戦やテロ対策といった現実的な任務に携わる存在とのこと。エリザベスのキャラクターは、この現実の諜報文化の延長に置かれていると言えるでしょう。……なるほど、続編がはじまったやつですね。「別班」だ。旬なやつだｗｗ

　IKT。まず結論から言うと、日本語字幕の「いっぱいケーキ作って」は意訳でしょう。作中で老人たちがやっているのは、DAI語のような頭文字遊びで、イギリス人同士の内輪ネタのようなユーモア。つまり笑わせることが目的の翻訳なんだ。だから日本語字幕は「意味」よりも「空気」を優先した訳になっている。
　個人的にはかなり上手いローカライズだったと思った。

　まとめ、『木曜殺人クラブ』は、老人が活躍するミステリーではない。人生の終盤に差しかかった人々が、それでも笑い、恋をし、友を失い、事件を解き、「まだ生きる理由」を探す物語である。死は近い。だからこそ毎日が面白い。
　この映画が描いていたのは、殺人事件ではなく「人生の終わり方」だった。

　映画は面白かったので、ぜひシリーズ化して欲しいものですね。それもあるが、小説も読んでみたくなりました。

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基本情報

“アンチ・シンデレラストーリー”の衝撃

　監督はショーン・ベイカー、2024年のアメリカ映画です。上映時間は139分。本作は2024年のカンヌ国際映画祭で最高賞パルムドールを受賞。さらに2025年のアカデミー賞では作品賞・監督賞・主演女優賞など主要部門を含む5部門を受賞‼。主演はマイキー・マディソン。この子がめちゃくちゃかわいい‼
　ええと、基本情報？　は、ほぼなし。知らない監督が、めちゃくちゃかわいい子を主演にした映画がね、すこぶる評価が高いって話、だけ。作品賞はね、やっぱ気になるよね。そして映画IQの高い友人にもオススメされた。その友人は、多くは語らなかった。下記に記載した（公式引用）粗々の筋を説明しただけ。でも、観て欲しいと言った。HARUさんに観て欲しい、と。これは、何かあるぞ、と思った──

簡単なあらすじ

NYでストリップダンサーをしながら暮らす“アニー”ことアノーラは、職場のクラブでロシア人の御曹司、イヴァンと出会う。彼がロシアに帰るまでの7日間、1万5千ドルで“契約彼女”になったアニー。パーティーにショッピング、贅沢三昧の日々を過ごした二人は休暇の締めくくりにラスベガスの教会で衝動的に結婚！　幸せ絶頂の二人だったが、息子が娼婦と結婚したと噂を聞いたロシアの両親は猛反対。結婚を阻止すべく、屈強な男たちを息子の邸宅へと送り込む。ほどなくして、イヴァンの両親がロシアから到着。空から舞い降りてきた厳しい現実を前に、アニーの物語の第二章が幕を開ける──。

公式より

　映画を観てから読んでみると、面白い発見に気がついた。あらすじにはほとんど意味は無い。しかも、なんなら知らない方がいいまである。それで思ったのが、基本情報も同じだ。要は、ネタバレなんだ。「アニー」こと「マイキー・マディソン」の可愛さや美しさは、人から聞くものでもない。そんなのは違う。あと、仕掛けがバレる。それじゃあ台無しなんだよな、なんて心配もしちゃう。
　いいから見ろ！　そして感じろ（考えろ）系映画なんです。教材みたいな映画。以前、ここでも書いたな。あれも良かった。『カランコエの花』。アプローチの仕方は違うけど、観た方がいい。まあ本作は、映画通に受けるよね。そう思う。

『カランコエの花』あらすじ付き作品紹介及び考察

基本情報　2018年の日本映画、LGBTについて考える映画です。監督は中川駿。主演は今田美桜。　上映時間はなんと39分！　主演の今田美桜はド有名ですが、ほかのキャストは誰一人として有名じゃないです。監督の中川駿でさえ、ウィキペディアもありま...

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2023.12.24

HARU

気になる映画ほど、前評判なしで観たいよね。

PENくん

絶賛！　絶賛！　言われるとハードルばっかり高くなるやつ。

面白いと思うところ

　はっきり言えば、別に面白くはない。ただ、主演のマイキー・マディソンがめちゃくちゃかわええ。系統はアンハサウェイ。若干クセありのようだが、それがたまらなくいい。
　見てくれ、この顔。どや！

　なんて、ズレたことを書いたが、とにかく観てよかったと思う。まずは彼女に出会えた。
　それが一番の収穫。で、次にコレ。私はこう言いたい！

　率直な感想。で、なんでこれを面白いとこに書くんだって？　だってね、この映画は、考えることがだいぶある。その点は記事向き。私がこれから観た人向けに長々と書く批評を読んでほしい、「ああ、そういうことなのね！」的なこと、別にミステリーじゃないし、密室トリックなんかを語るつもりはないが、きっと面白く読むことができる（ずいぶんハードルをあげる汗）。だから、いわゆる答え合わせ、もしくは共感を約束しよう。
　映画はね、観て半分。その後一緒に観た恋人や仲の良い友人なんかと語り合って、やっと完成。というのが持論。ちゃんと、そういう映画がある。『アノーラ』はまさにソレなんだ。君はこの考え、どう思う？　それをさ、僕としよう。ということで、観ていないのなら、ちゃんと観てから読んでほしい。僕はどこにも行かない。ここで待っているからさ──

音楽で言えば転調

　本作の大きな特徴は、前半と後半のトーンの落差です。転調。違う映画、ジャンルがガラリと変わります。これね、フット後藤の「高低差ありすぎて耳キーンなるわ！」ですね。……世代かな、伝わるといいんだけどｗｗ

　前半はまるで現代版のシンデレラストーリー。貧しいストリップダンサーのアニーが、ロシアの御曹司イヴァンと出会い、豪遊し、ラスベガスで結婚する。ここまでは、どこか軽快でコメディのようなテンポがあります。

　ところが後半になると、映画は一気に変質します。イヴァンの両親が結婚を認めないことが分かると、物語は恋愛劇から半ばブラックコメディの追跡劇へと変わっていきます。
　豪邸に押しかけてくる取り巻き、逃げるイヴァン、振り回されるアニー。

　この映画の奇妙な魅力は、観客が「これは何の映画なんだろう」と思い始めるところにあります。

　ロマンティックでもなければ、単純な社会派映画でもない。あれれ、ジャンルの居場所が常にずれているのです。さあ、さあ。観て下さい、言葉の限界が近づいて来る。その足音が聞こえる。次のカテゴリまではOKだけどその先は観た人だけですよ。

こういう人にお勧め

　映画好きな人！（←書いていてヤバイｗｗ　でも、そうなんだよな。もしくは映画ＩＱが高い人は是非。）それと、純文学好きな人（←この説明はアトで）。ほかにも、例えば主演のマイキー・マディソンをまだ知らないあなた。観た方がいい。ほんと、かわいいから。きっと君も好きになる。そんでもって、考える映画です。感想とか語り合いたい人！　
　あのシーンね、ああ、クズのイヴァンね、とか、あのおかんどう思う？　そしてラストシーンの解釈を、とか、ただ観るだけでおさまらない、お喋りが好きな人には、ぜひ。
　いいよね。そうやって映画を観るのは、楽しい。繰り返しになるけど、

　これ、引き込まれませんか。「素晴らしい映画」だと言う。し、その後の「なのかもしれない」も、いい。勝手に自画自賛ｗｗ
　さあ、ここから先は観た人向けです。あなたは、『アノーラ』をどう観たんだろう？

観た人向けに、批評

まずは要点整理

　本作『アノーラ』はかなり「記事向き」の映画だと思いまして、あなたと話し合う前に、まずは要点整理をします。私は下記のことをピックアップしました。

・前半／後半のギャップ
・アメリカンドリームの崩壊
・イヴァンのクズさ
・父と母の対比
・ボディーガード
・ラストの車のシーン

　このあたりを軸で、批評を書いています。

この映画は“アメリカンドリームの否定”なのか

　『アノーラ』は、一見すると現代のシンデレラストーリーの形をしています。

貧しい女性
↓
金持ちの男
↓
突然の結婚

　しかし映画は、この夢を徹底的に破壊します。イヴァンはただのクズです。幼稚で責任感がなく、問題が起きると逃げる。
　そして彼の両親もまた、息子を守るために金と力を使って結婚を潰そうとします。
　ここで重要なのは、アニーは決して間違ったことをしていないという点です。彼女は合法的に結婚しただけです。
　しかし社会の力関係はそれを認めません。

　つまりこの映画は「貧しい人間がルール通りに行動しても、階級は越えられない」という残酷な現実を描いています。

　アメリカンドリームは存在するのかもしれない。しかしそれは、少なくとも彼女のような人間のためには用意されていない。

父と母の違い

　イヴァンの母親は典型的な「支配する富裕層」として描かれています。怒鳴り散らし、結婚を完全に否定する。
　しかし父親は、意外にも冷静です。彼はアニーを侮辱するというより、状況を処理しようとしているように見えます。
　つまり父親は「人間として正しい」わけではないが、少なくとも理性的です。

　ここが面白いところです。この映画では、貧困層も富裕層も、誰も完全な悪ではない。
　ただし、システムとしての階級は確実に存在している。

あのボディーガードの存在

　この映画の中で、最も奇妙で印象的な人物がボディーガードです。彼はアニーを捕まえる側の人間です。
　しかし同時に、彼は唯一まともな倫理観を持っている人物にも見えます。彼は命令に従うしかない立場ですが、アニーに対して必要以上の残酷さを見せません。

言い換えると、この映画の中で唯一「普通の人間」に近い存在なのです。だからこそラストのシーンが効いてきます。

ラストシーンについて

　車の中で、アニーは突然ボディーガードにセックスを求めます。
　しかし途中で泣き崩れます。あの場面は非常に複雑です。

　彼女はボディーガードを好きになったわけではありません。むしろ逆です。彼女はそれまで、ずっと「商品」として扱われてきました。体も、結婚も、すべてが取引です。

　だから最後に彼女は、自分から取引を始めてしまう。しかしその瞬間、自分が何をしているのか気づいてしまう。そこで初めて泣くのです。それは恋ではなく、救いでもなく、ただの疲労と絶望の涙です。

ここまでのまとめ

　『アノーラ』はシンデレラストーリーの形を借りながら、その夢を徹底的に解体する映画なのだと思います。貧困。階級。男の幼稚さ。そして社会の不公平。それらを笑いと混乱の中で描きながら、最後に残るのは一つの問いです。「彼女は最初から勝てるゲームをしていたのか？」その答えは、おそらく最初から決まっていたのかもしれません。

　まだまだ書きたりない。批評は続く。

なぜ『アノーラ』は途中でコメディから〇〇に変わるのか

　前半と後半のギャップが変な感じ、この映画は意図的に 「ジャンルが壊れる構造」 になっているんです。〇〇には、「悪夢」とあててもいいが、私は「不快な映画」だと思いました。

　『アノーラ』を観ていて、多くの人が感じるのは前半と後半の妙な違和感でしょう。前半はほとんどコメディです。ストリップクラブで働くアニーが、ロシアの大富豪の息子イヴァンに気に入られ、豪遊し、ラスベガスで衝動的に結婚する。ここまでは、軽薄ながらもどこか楽しい。観客も「これは現代版シンデレラストーリーなのかもしれない」と思い始めます。

　ところが映画は、その期待をかなり乱暴なやり方で壊します。イヴァンは逃げ出し、取り巻きが現れ、アニーは状況をコントロールできなくなります。物語は恋愛映画から、ほとんど人間が右往左往するだけの騒動劇に変わります。ここで多くの観客が感じるのは、

「なんだか嫌な映画だな」という感覚です。

　しかし、この不快感こそがこの映画の核心かもしれません。普通のシンデレラストーリーでは、物語は階級を越えます。貧しい娘が王子と結ばれ、世界が変わる。

　しかし『アノーラ』では、世界はまったく変わりません。アニーは努力もしていないわけではないし、騙したわけでもありません。彼女はただ、目の前に現れた金持ちの男と結婚しただけです。

　それでも彼女の結婚は、あっさり無効化されてしまいます。
　なぜなら、金持ちの家族のほうが社会的な力を持っているからです。

この瞬間、観客は気づきます。
この映画は恋愛映画ではなく、

階級の映画だったのだと。

　しかも厄介なのは、悪役がはっきりしていないことです。イヴァンは確かにクズですが、ただの甘やかされた子どもでもあります。母親は傲慢ですが、息子の結婚を止めようとする気持ちは理解できなくもない。父親はむしろ冷静で、暴力的な人物には見えません。

　つまりこの映画では、誰も絶対的な悪ではない。それでもアニーは負けます。
　ここに、この映画のいちばん不快な部分があります。

不正があったわけではない。陰謀があったわけでもない。
ただ単に、社会の仕組みがそうなっている
それだけなのです。

　そしてラストの車のシーンで、その残酷さはさらに露骨になります。アニーはボディーガードに身体を差し出そうとします。それは恋でも欲望でもなく、ほとんど反射的な行動です。彼女はこれまでずっと、自分の身体を「取引」の道具として使ってきました。だから最後も同じ方法で、何かを繋ぎ止めようとする。

　しかし途中で彼女は泣き出します。その瞬間、彼女はようやく理解してしまうのです。
　結婚も、愛も、夢も、結局はすべて同じ取引の延長だったのではないか、と。

　『アノーラ』は救いのない映画ではありません。ただし、この映画が示している救いは、かなり冷たいものです。それは、夢が叶うことではなく、夢が最初から用意されていない世界を知ることなのかもしれません。

『アノーラ』は“〇〇の映画”というより“〇〇の映画”なのかもしれない

　ひとつめの○○は「階級」でしたよね。そして、もっともっと考えてみると、次の〇〇には「成金」と言葉をあてると、それは面白い。

　ストリップダンサーのアニーと、ロシア富豪の息子イヴァンという構図は、明らかに階級差の物語です。
　しかし作中の人物をよく見ると、もう一つ別の読み方もできそうです。
　それは、この映画が「成金の家族」を描いた物語なのではないか、という視点です。

　イヴァンは完全な放蕩息子です。金はあるが、教養も責任感もない。ただ遊びたいだけの若者として描かれます。
　そして母親は非常に攻撃的です。怒鳴り散らし、力づくでも結婚を無効にしようとする。その振る舞いには、上流階級の落ち着きというより、むしろ過剰な防衛反応のようなものが見えます。
　つまり彼らは、生まれながらの貴族というより、「金はあるが、それをどう扱えばいいのか分からない階層」にも見えるのです。そう考えると、父親の態度が少し違って見えてきます。彼は怒鳴りもせず、状況を整理しようとする。どこか事務的で、冷静です。もしかすると彼だけが、この騒動の滑稽さを理解している人物なのかもしれません。

　そしてその外側にいるのが、あのボディーガードです。彼は金持ちの側の人間ですが、彼らの世界に属しているわけでもありません。アニーと同じく、ただ仕事としてそこにいるだけの人間です。

　だからこそラストの車の場面では、階級も金も関係のない、奇妙な沈黙が生まれます。
　アニーと彼は、まったく違う立場にいながら、同じことを理解してしまったようにも見えます。それは、この騒動の中心にあった「夢」が、最初からかなり空虚なものだったという事実です。
　『アノーラ』は、貧困の映画であると同時に、富そのものの滑稽さを描いた映画でもあるのかもしれません。

まとめ（その２）

　『アノーラ』は、最初から観客を騙すつもりで作られている映画なのかもしれません。
　物語は、貧しいストリップダンサーと金持ちの御曹司の出会いから始まります。豪遊、ラスベガスでの結婚。ここまで来ると、多くの観客はどこかで期待します。「これは現代版シンデレラストーリーなのではないか」と。しかし映画は、その期待をあえて利用します。
　夢が叶うかもしれない、という瞬間を見せておいて、その夢がいかに脆く、そして簡単に壊されるものかを突きつける。
　つまりこの映画は、アニーだけでなく、観客自身の「物語への期待」をも崩していく作品なのです。だからこそラストに残るのは、爽快感ではありません。むしろ少し居心地の悪い、奇妙な余韻です。けれど、その不快さこそが、この映画の誠実さなのかもしれません。

イヴァンのセックスについて

　いやあ、下手くそでしたよね。あれはいけん。童貞のやつだね。というか、かなり意図的な演出、監督の性格が悪いですよねｗｗ
　これは単なる下ネタだけではなく、映画のテーマにちゃんとつながっています。まず前提として、作品の中でのイヴァンは、あらゆる意味で「子ども」です。金も自由もあるのに、責任だけは一切取らない。問題が起きると逃げる。結婚ですら、ほとんどゲーム感覚です。
　その人物像がいちばん露骨に出るのが、セックスの描写なんですよね。

　アニーはストリップダンサーで、言ってしまえば「男の欲望」を仕事として扱っている人です。つまり彼女は、男性の身体的な振る舞いや、セックスの「自己中心性」をよく知っているはずです。そんな彼女と比べると、イヴァンの振る舞いはかなり幼い。
　独りよがりで下手くそである可能性は高い。ここで面白いのは、この描写が単に「ダメな男」を笑うためだけのものではないところです。イヴァンのセックスは、おそらく彼の生き方そのものの縮図です。

 相手のことを考えない
 自分の欲望だけで動く
 終わったら興味を失う

　つまり、彼は恋愛でも結婚でも、同じことをしているんです。そしてもう一つ重要なのは、アニーの側です。彼女はたぶん、そのことに気づいている。気づいていながらも、しばらくは付き合ってしまう。なぜなら、そこには金と夢があるからです。

　だからこの映画の前半は、少し奇妙な空気があります。ロマンチックというより、どこか取引めいた幸福に見える。その違和感が、後半で一気に崩れます。
　つまりイヴァンのセックスの描写は、かなり乱暴に言うと、「この男は、そもそも他人と関係を結べない人間だ」という伏線でもあるわけです。だから彼は逃げる。結婚からも、責任からも、アニーからも。

　そして最後に残るのは、あのボディーガードとの車のシーンです。ここがまた面白くて、彼はイヴァンと真逆の存在なんですよね。

 派手ではない
 金持ちでもない
 しかし相手を見て行動する

　つまり、最低限の人間的な距離感を持っている男です。だからアニーは、最後に彼の前で崩れる。あの涙は恋というより、「まともな人間に出会った瞬間、自分がどれだけ変な世界にいたか気づいてしまった」という涙にも見えるんだ。この映画って、セックスの描写まで含めて「人格の描写」になっているわけ。

　ここでイヴァンの話に補足する。あなたは気がついたかな？　
　イヴァンって、アニーのこと一度も本気で見ていなくない？

　これは多分、この映画の恋愛構造に関係しているんだと思う。要は、普通の恋愛映画では、どこかに「相手を見つめる瞬間」があります。相手を人間として認識する瞬間ですね。
　でも『アノーラ』では、イヴァンはほとんどその瞬間を持たないんです。彼にとってアニーは、可愛くて、エロくて、楽しい女。一緒に遊べる女、セックスできる女……このレベルで止まっている可能性が高い。だから結婚も軽い。だから逃げるのも軽い。

　逆に言うと、アニーの側は、途中で少しだけ本気になりかけているように見える瞬間があります。結婚証明書を守ろうとするところとかですね。ここで二人の温度差が決定的になります。

　つまりこの映画の関係は、恋愛のすれ違いですらない。そもそも同じ関係を見ていない。この構図があるから、ラストの車のシーンが効くんだ。あのボディーガードは、イヴァンほど金も自由もない。でも彼は、アニーを「人」として扱っている。その瞬間、アニー初めて、「自分がどう扱われていたか」「自分が何を期待していたか」等、その両方に気づいてしまう。それが、あの途中で止まるセックスと涙に繋がるように見えます。だからこの映画、かなり意地の悪い言い方をすると、恋愛映画の形をした「恋愛不成立映画」なんですよね。そんなジャンルないよって、ツッコミはなし。

さいごのまとめ。私の感想と、純文学との類似性について

「この映画好き？」そう聞かれたら、僕はこう言う。本音だ。

「主演のマイキー・マディソンが可愛すぎた。そして純文学みたいだった。で、僕の意見は好きじゃない。胸糞が悪いからね」

　まず主演の「マイキー・マディソン」が可愛すぎる、という感覚。これは多くの人が思うことと同じでしょう。彼女の魅力って、いわゆるハリウッド的な完璧な美人というより、表情の揺れ方がすごく生々しいところなんだと思う。だからきっと観る人は自然とアニー側に感情移入してしまうんだ。
　それがあるからこそ、『アノーラ』はかなり意地の悪い映画になっていると思う。もし主人公があまり魅力的でなかったら、観客はもっと距離を取れる。

　でもこの映画は、観客に「応援させてから」突き落とす構造になっている。

　これはさ、純文学に近いんだ。純文学ってさ、「人物は魅力的」「文章は美しい」でも「読後感は最悪」みたいなことがありません？

　たとえば太宰治。読んでいて面白いし、人間も魅力的だけど、読後はわりと気分が沈む。『アノーラ』もそれに近い。

　しかもこの映画、観客の気分が悪くなる理由は単純で、悪人が勝ったわけでもないのに、主人公が負けるからなんですよ。イヴァンはクズ。母親も嫌な人。でも彼らは特に罰を受けない。ただ階級の力が働いただけで、物事が決まる。これが胸糞の正体なんだと思う。

　しかも最後に、アニーが完全に壊れるわけでもない。救われるわけでもない。ただ泣く。この中途半端な終わり方も、なんか純文学っぽい。

　そして帰結する。「映画としては素晴らしい」「主演は魅力的」「でも世界が嫌すぎる」
　つまり、「良い映画だけど、好きじゃない」というタイプの作品なんだ。

　それとね、きっとお気づきでしょう？　何回同じ話するねん！　って、でもね、これ、そうなった。そして、だけど気づいていながらもそのままにした。意図的なんだ。映画を観て、掘って、掘って、考えた。もしくは向き合った。そしたら、こういう構成になったし、結論を繰り返したんだ。くどかったかもしれない。ごめんよ。だけどね、久しぶりに、こうやって映画を観たし、色々と考えてみた。
　さいごまで読んでくれてありがとう。
　あなたは『アノーラ』をどう観ましたか？　ぜひ、聴かせて頂きたいな

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基本情報

成長を信じさせてくれる男
──木村拓哉の魅力について

　正直に言えば、『グランメゾン・パリ』が完璧な映画かと問われたら、そうではない。
　三つ星が取れるのか、現実的か、ドラマとして都合が良すぎないか
　──そういう話はいくらでもできる。
　でも、今日はそんな話をしたくない。
　私はこの作品が好きだ。観ていて、泣きそうになった。
　それだけで、もう十分じゃないかと思う──。

　私はいわゆるキムタク世代だ。私は彼より一回り下だが、自身の成長とずっと一緒に、私は、私たちは、彼の背中を追って育った。そう、私たちの時代には、ずっと彼が先頭にいたからだ。

　木村拓哉という俳優のドラマは、ずっと観てきた。『ロングバケーション』からはじまって『ラブジェネレーション』『ビューティフルライフ』『HERO』『GOODLUCK!!』──と有名どころをピックアップしたが、どの作品も視聴率オバケだ。それに全部が、時代を彩る作品だ。それはそうだ、なんたって木村拓哉は時代のアイコンなのだから。

　それで、その中で「一番好きな作品は？」と聞かれたら、みんな、少し驚くかもしれないけれど、私は『グランメゾン東京』と答えるんだ。そして──その続編であり、舞台をパリに移した『グランメゾン・パリ』が良かったんだ。今日は、この作品を主軸において、でも結局はやっぱり木村拓哉の話をする。

「完成されたスター」ではない木村拓哉
　木村拓哉は、長いあいだ「完成された存在」として描かれてきた俳優だと思う。
　かっこよくて、強くて、迷いがなくて、結果を出す男。

　でも『グランメゾン』シリーズの尾花夏樹は違う。
　彼は一度、完全に失敗している。過去の栄光を引きずりながら、それでも前に進もうとする。自信はあるが万能ではなく、仲間なしでは立ち行かない。

　『グランメゾン・パリ』では、その「未完成さ」がよりはっきり描かれる。
　若さで押し切ることはできない。プライドだけでは通用しない。

　それでも、料理に向き合う姿勢だけは、決して失われていない。
　この姿が、胸に来る。

　年を重ねても、失敗を経験しても、それでもまだ成長できる。

　木村拓哉という俳優が、それを“演じている”のではなく、“体現している”ように見えるから、この作品は信じられるんだ。

　本作は、2019年の人気ドラマ『グランメゾン東京』を受け継ぐ劇場版映画で、2024年12月30日に公開された作品です（2026年2月現在アマプラで観れるよ！）。上映時間は約117分。
　主演はもちろん、木村拓哉。尾花夏樹というシェフを演じ、ただ“強い男”で居るのではなく、何度も迷いながら進んでいく姿を見せてくれる。共演には、鈴木京香（早見倫子役）、オク・テギョン（Rick Yuan役）、正門良規や玉森裕太、寛一郎、吉谷彩子、中村アン、冨永愛、及川光博、沢村一樹ら、魅力的なキャストが揃っています。

　監督は塚原あゆ子。テレビシリーズでも手腕を発揮してきた彼女が、映画という大きなキャンバスでも尾花たちの成長を丁寧に描き出しています。脚本は『キングダム』シリーズなどで知られる黒岩勉が担当し、音楽は木村秀彬が彩りを添える。料理監修には、実際にフランス・パリで三つ星を獲得したシェフ小林圭が参加し、映像にも説得力と深みを与えています（後述しますが、この功績は大きいです）。

簡単なあらすじ

　「グランメゾン東京」が日本で“三つ星”を獲得してから時が経ち──
　尾花夏樹（木村拓哉）は早見倫子（鈴木京香）と、フランス料理の本場・パリで、新店舗「グランメゾン・パリ」を立ち上げ、アジア人初となるミシュラン“三つ星”を獲得するために奮闘していた。

　名だたる巨匠たちがしのぎを削る本場フランスで、フランス料理で“三つ星”を獲得することは、尾花にとっての悲願。
　だが異国の地のシェフにとっては、満足のいく食材を手に入れることにすら高い壁があり、“三つ星”に選ばれるなど夢のまた夢。「グランメゾン・パリ」は結果を出せない日々が続いていた。
　そしてあるガラディナーでの失態が原因で、かつての師と「次のミシュランで三つ星を獲れなければ、店を辞めフランスから出ていく」という約束を交わしてしまう……

　かつてカリスマシェフと称された尾花夏樹は、挫折や国境の壁を乗り越え、仲間と共に世界最高峰の“三つ星”を手に入れることは出来るのか──！？

チーム・グランメゾン、熱き《最後の挑戦》が今始まる──

公式（映画『グランメゾン・パリ』）より※

※ここに動画もあります。ドラマ版『グランメゾン東京』にも飛べる。相関図もあるよ！

映画『グランメゾン・パリ』

木村拓哉主演の大ヒットドラマ「グランメゾン東京」が待望の映画化！チーム・グランメゾン、熱き最後の挑戦が今始まる―。大ヒット上映中！

grandmaison-project.jp

HARU

グランメゾンって格式高いフランス料理店って意味みたい。

PENくん

注文の多いグランメゾンってタイトルだったら売れてない気がするな。

面白いと思うところ

三つ星を取れるかどうかは、本筋じゃないんだ

　『グランメゾン・パリ』を観ていて、途中からどうでもよくなる問いがある。
　──三つ星は取れるのか？

　もちろん、物語上は重要だ。
　でも、観ている側の感情は、そこにはもう向いていない。なぜなら、この作品が描いているのは結果ではなく、向き合い方だからだ。

　尾花は、料理に取りつかれている。一皿に、異様なほど執着する。妥協を許さず、何度でもやり直す。その姿を見ていると、「成功するかどうか」よりも、「どれだけ本気で向き合っているか」のほうが、ずっと大事に思えてくる。

　成長とは、成功することではない。
　何度でも、本気になれることなのかもしれない。

　この感覚を、映画は押しつけがましくなく、静かに伝えてくる。

食材の美しさと、料理への敬意に感動

　この作品の魅力を語るうえで、どうしても触れたいのが、食材の美しさだ。

　野菜の瑞々しさ。肉の艶。魚の身の締まり。ソースの色合い──
　どれもが、ただ「映える」ために撮られているのではない。そこには、料理と食材への敬意がある。だから、嘘っぽくない。

　料理が、勝つための道具としてではなく、ただ真剣に向き合う対象として描かれている。
　画面越しでも伝わるその誠実さが、観ているこちらの感情を静かに揺さぶる。

　泣きそうになるのは、きっとそんな瞬間だ。

並走してくれる存在としての木村拓哉

　若い頃、木村拓哉は「憧れ」だった。

　遠くにいて、追いかける存在だった。が今、『グランメゾン・パリ』の木村拓哉は違う。
　彼は、並走してくれる。

　完璧じゃなくてもいい。思い通りにいかなくてもいい。
　それでも、好きなものに取りつかれて生きていく姿は、こんなにも格好いい。
　『グランメゾン・パリ』は、傑作かどうかで語る作品ではない。でも、好きだと言っていい作品だ。私は、この映画が好きだ。そしてきっと、それだけで十分なのだ。

こういう人にお勧め

キムタクもとい木村拓哉が本気モードに入る瞬間を見るだけで白米３杯いける人

　包丁を握った瞬間、空気が変わる。目線ひとつで厨房の温度が２度上がる。あの「まだ終わってない」って顔。あれを浴びるだけで、こっちの背筋も伸びる。木村拓哉が挑戦する姿を観るという行為自体が、もうエンタメなんだ。
　はい、ごちそうさまです。

大人の本気に弱い人（涙腺、要注意）

　若さのキラキラじゃない。泥だらけの再挑戦。失敗して、信用を失って、それでも「もう一度だ」と言い切る。夢を語るんじゃない。歯を食いしばって掴みにいく。その姿が、静かに、でも確実に心をえぐってくきます。不思議なもので、観終わったあとは、自分の仕事にちょっと誇りを持ちたくなるタイプの映画です。

美食映画が好き。でも説教くさいのはノーサンキューな人

　三つ星だの、フレンチだの、パリだの、敷居は高そう。でも安心してほしい。これは「料理映画」というより「執念の物語」。皿の上は芸術、でも描いているのは人間のプライド。難解ゼロ、満足度フルコース。観終わったあと、コンビニのカツサンドにすら敬意を払いたくなります。

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ここから観た人向けの話

総括として、愛を語る。

　──正直に言う。
　私はもう、「成功する物語」にあまり興味がない。上手くいくかどうか、勝つかどうか、評価されるかどうか──
　そんなものは、人生を長くやっていれば、どうでもよくなってくる。でも──本気で何かを好きでいる姿だけは、どうしても見たい。
　『グランメゾン・パリ』の尾花夏樹は、相変わらず不器用で、相変わらず頑固で、相変わらず料理に取りつかれている。もう若くない。もう無敵じゃない。それでも、包丁を持つ手は迷っていない。その姿を見ていると、

「まだ、好きでいていいんだ」
「まだ、熱くなっていいんだ」

　そう言われている気がする。
　木村拓哉は、完璧なヒーローを演じているわけじゃない。情熱を手放さなかった男の背中を、ただ見せてくれている。
　食材が美しいのも、料理が真剣なのも、全部その延長線上にある。

嘘がないから、胸に来る。
だから、泣きそうになる。

　三つ星を取れるかどうかなんて、ほんと、もうどうでもいいんだ。
　この映画は、「好きなものに人生を賭けたことがある人間」への、静かな肯定だ。
　若い頃、キムタクは憧れだった。今、木村拓哉は──同じ時間を生きている証明みたいな存在になった。それが、こんなにも嬉しい。私はこの映画が好きだ。理由なんて、後からいくらでも付けられる。
　でも本当は、そんなもの要らない。

　ただ、まだ終わっていないと信じさせてくれた。それだけで、十分だ。

　木村拓哉は、やっぱりカッコいい。ねえ、もう一度観たくなったでしょ。

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基本情報

火のあとに残るもの、そして「キリ」という存在

　映画『アバター』シリーズは、観るたびに「時間の感覚」が狂います。上映時間は確かに長い。しかし体感はそれ以上……これ、きっと共感できるでしょう。

　『アバター：ファイヤー・アンド・アッシュ』（以下『アバター3』）では、まるで8時間ほどパンドラに滞在していたかのような感覚を覚えました。それは決してネガティブな疲労ではありません。
　むしろ、現実世界の時間が引き延ばされ、映画の内部に沈み込んだ結果です。
　本作は「火」の映画であると同時に、「時間」と「存在」を問う映画でした。

　本記事では、シリーズ1・2作目のおさらいから入り、『アバター3』の特徴、そしてネイティリとキリという２人の女性を軸に、最後は「キリはエイワの分身なのか」と、「人類は許されるのか」という問いまで辿り着きたいと思います。

　ちなみに上映時間は、なんと197分！　監督は、ジェームズ・キャメロン！

『アバター』シリーズのおさらい

『アバター』（2009）
　１作目は、「異星文明との遭遇」を描いた物語でした。人類は資源採掘のため、惑星パンドラへ侵攻します。主人公ジェイク・サリーは、ナヴィの肉体＝アバターを得て彼らの社会に溶け込みますが、次第に人類側の論理に疑問を抱き、ナヴィとして生きる道を選びます。
　本作のテーマは、植民地主義・自然と文明の対立・身体のアイデンティティでした。

『アバター：ウェイ・オブ・ウォーター（アバター２）』（2022）
　２作目では舞台が海へと広がります。ジェイクは家族を持ち、守るべき存在が増えました。物語は「戦う理由」から「逃げる理由」へと変化します。この作品の中心にあるのは、家族・継承・適応です（「物語」より「生活」に近づきました）。
　映像的にも、水という要素が加わることで、時間の流れがさらに緩やかに感じられる構造になっていました。

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簡単なあらすじ

　３作目で提示されるのは、「火」と「灰」。水の次に火が来るのは必然です。文明も、怒りも、革命も、すべて火から生まれます。しかし本作は、火を肯定する映画ではありません。むしろ問いかけてくるのは、

火を起こしたあと、何が残るのか

　ということです。

火は文明であり、革命であり、破壊です。
灰はその後に残る記憶であり、歴史です。

　本作では、パンドラの新たな部族として火の部族が登場します。それは、激情と正義をまとった存在として描かれます。彼らは間違っていない。だが彼らの行動のあとには、必ず「灰」が残る。この「灰」こそが、本作の隠れた主題です。
　
　ジェイクたち一家は、これまで以上に複雑な対立構造へと巻き込まれていきます。人類とナヴィという二項対立ではなく、ナヴィ同士の価値観の衝突が物語の軸として浮かび上がってくる点が、本作の大きな特徴です。

HARU

私の中の火のキャラと言ったらBLEACHの山本元柳斎重國！

PENくん

2022年から始まった千年血戦篇のアニメーションも凄くいいんだよね。

20世紀スタジオ公式サイトより

面白いと思うところ

世界が「説明されない」贅沢

　『アバター3』は、観客に多くを説明しません。新たな部族、新たな風習、新たな環境が、説明抜きで当たり前のように提示されます。観る側は理解するより先に、受け入れることを求められます。

善悪が曖昧になる物語

　これまで比較的明確だった「敵・味方」の構図が、本作では揺らぎます。誰もが自分の正しさを信じて行動し、その結果として衝突が生まれる。
　この曖昧さが、物語に深みを与えています。

視覚情報の密度（圧倒的ビジュ！）と体感時間

　ぜひ劇場で観て下さい。３Dで、なんなら４DX！　体験できます。世界に、溺れそうになります。どう言語化していいものか、観客は、目の前のスクリーンを埋め尽くす情報の洪水の中に置かれます。息が出来なくて苦しい？……いや、違う。できる、その中にいる。不思議と疲れない。ただ心地よい。映像が質量を持って、あなたはきっと、その中にいるみたいに感じるでしょう。

なぜ体感時間が引き延ばされるのか

　考えられる理由は、
　１） カット割りが少ない
　アバターシリーズは、ワンカットの滞在時間が非常に長い。脳は「次の展開」を予測しにくくなり、現在の映像に留まり続けます。

　２）目的のない時間が多い
　物語上、直接意味を持たない移動や儀式、風景描写が多く挿入されます（それらは物語を前に進めませんが、世界を厚くします）。これにより、映画が「物語」ではなく「生活」に近づきます。

　３）観客の身体感覚が作品側に同期する
　呼吸、水、熱、重力。
　これらが映像と音響で強調されることで、観客は無意識に身体感覚をパンドラに同期させます。
　結果として、現実世界の時間感覚が希薄になるのです（いつの間にか「観るもの」ではなく、滞在する空間になるのです）。

こういう人にお勧め

『アバター』1・2を劇場で観た人
　はい、当たり前ですよね。引き続き続編も映画館で観ましょう。と、あるあるなんですが「１」は観たけど「２」は観ていないって人が多いですよね……まあ、シリーズものはそうさ、そして大抵「１」を超えられないと言う。間違えた、語弊がある。『ゴットファザー』『ターミネーター』は続編の方がよかった。では『アバター』に置き換えて「２」はどうだって話をすれば、それはちょっと難しい。セットものなんだ。今回の「３」でやっと一息というのが、正確。『ロード・オブ・ザ・リング』もそうだったでしょ。逆に「２」を観ていないのなら、羨ましいまである。

　そう言えば「２」が上映されるときに、『アバター』のリバイバルがあって、観に行った。よかった。やはりすごく良かった。どっぷりした。ここで注文をつけるのならば、もし復習の為か、まだ観ていないからということで、なら簡単ね、と携帯だとかタブレットでも、パソコンでも、観ないで頂きたい。可能な限り大きなテレビで観て欲しい。最近、映画安くなったよね。どこでも簡単に観られるようになって、私もたまにそうだけど、「さあ、今から映画観るぞ！」みたいな気合が足りていないかもしれない。もっと大切にして、ちゃんと観て（内容を理解しろだとか言っているんじゃない、ただ真剣に）。ということで、ここまで書くんだ。「１」から観ていないのなら、ちゃんと「１」から観よう。とりあえず「１」については、誰にでも強くオススメできる作品であることは間違いない。世界興行収入１位を舐めちゃいけない。

物語より「世界観」を味わいたい人
長尺映画を「苦」ではなく「滞在」として楽しめる人
善悪が単純でない物語が好きな人

ここから観た人向けの話

ネイティリとキリ、母と奇跡の存在。父の物語から、母と“存在”の物語へ移行

　本作で、物語の重心は確実に移動しています。それはジェイクから、スパイダーから、ネイティリとキリにです。『アバター３』は「火」の映画でありながら、その中心にあるのは、怒りではなく母性と存在の問いです。

ネイティリという「すごすぎる母」――彼女はなぜ、ここまで強く、恐ろしいのか
　ネイティリはこれまでずっと「強いヒロイン」でした。しかし本作での彼女は、もはやヒロインの枠を（完全に）超えています（無鉄砲で強過ぎますｗｗ）
　彼女は、「判断が速い」「情に溺れない」「子どもを守るためなら一線を越える」その姿はしばしば「冷酷」にすら見えます。ネイティリは“自然そのもの”に近づいています。重要なのは、彼女が（世間一般で言う）「正しい母」ではないことです。
　彼女は、「許さない」「理解しようとしない相手もいる」「それでも守るべきものは、絶対に守る」。これは、自然の振る舞いと同じです。自然は優しいが、慈悲深くはない。ネイティリは、「ナヴィ」「母」「戦士」という役割を超えて、パンドラの論理を体現する存在になっています。だから彼女は「火」と対峙できる。同じく、容赦がないからです。

「ネイティリ」と「スパイダー」――なぜ彼女は彼を受け入れきれないのか
　ネイティリがスパイダーに向ける拒絶は、感情的に見えます。しかしこれは差別でも憎悪でもありません。
　彼女にとってスパイダーは、「人類の象徴」「家族を壊した歴史の延長」「子どもたちを危険に晒す存在」であります。母であるがゆえに、彼女は「可能性」より「確率」を選ぶ。その冷酷さは、母性の裏面です。

キリという「奇跡の存在」
　キリは、明らかに特別な存在として描かれます。出生の秘密、エイワとの異常な接続、そして世界の痛みを先に感じ取ってしまう感受性。しかし彼女は、救世主のように振る舞いません。世界を導こうともしない。キリが持つのは「力」ではなく、共鳴です。
　奇跡とは、選ばれることではありません。背負わされることです。

ネイティリとキリの対比
　ここで母と娘は、はっきりと分かれます。

　 ネイティリ：今を守るために世界を狭める
　 キリ　　　：世界を壊さないために、すべてを感じ取る

　どちらも正しい。　だが同時には成立しない。
　この緊張関係こそが、『アバター3』の最も人間的な部分なのだと思いました。　

火と母性、そして灰

　ネイティリは火を恐れない。キリは火の後の灰を見つめている。母は「今」を守り、娘は「その後」を背負う。
　もし『アバター』シリーズが最終的に「和解」や「共存」に向かうとしたら、それはジェイクでも、大佐でもなく、キリが“存在してしまった理由”を世界が受け入れた時でしょう。

キリはエイワの分身なのか

　結論から言えば、「分身ではない」と考えます。もし彼女が完全な分身なら、彼女は迷わない。苦しまない。傷つかない。
　しかしキリは、過剰に感じ、過剰に苦しみます。彼女は神ではありません。むしろ、神に近すぎる人間です。
　エイワが世界そのものだとすれば、キリはその声を、たまたま一番近くで聞いてしまった存在なのです。
　だから彼女は奇跡であり、同時に不完全です。

　エイワは均衡を保ちますが、キリは均衡に耐えきれない。この「不完全さ」こそが、彼女が分身ではない証拠だと思います。

人類は許されるのか

――『アバター』シリーズを観て、私が思うこと。

許されない。でも、切り捨てられてもいない。

　これが、今の正直な答えです。

『アバター』における人類は「悪」ではない
　シリーズを通して、人類は明確に加害者として描かれます。資源を奪い、環境を壊し、異文化を踏みにじる。でもキャメロンは、人類を「理解不能な怪物」としては描かない。
　彼らはいつも、
　 生き延びようとしている
　 自分たちの論理では正しい
　 失敗を認められない

　つまり、人類はあまりにも人間的です。だから許しにくい。

許しとは「免罪」ではない
　もし人類が許されるとしたら、それは和解や仲直りの形ではないと思う。『アバター』が一貫して拒否しているのは、「分かり合えたからOK」という物語です。
　人類は、
　 取り返しのつかないことをした
　 もう元には戻れない
　 それでも存在し続ける

　この事実から逃げられない。許しがあるとすれば、それは罰を免れることではない。

ネイティリの答えは「NO」
　ネイティリの視点に立てば、人類は許される存在ではありません。
　 家族を奪った
　 世界を壊した
　 いまも脅威であり続けている

　彼女が人類を受け入れないのは、復讐心ではなく現実的判断です。彼女の「NO」は、感情ではなく、生存戦略。この否定は、作中でも正当です。

キリの答えは「問い続ける」
　一方でキリは、「許す／許さない」という二択を拒みます。
　彼女は、
　 すべてを感じ取ってしまう
　 加害も被害も切り分けられない
　 だから決断できない

　これは弱さではありません。世界を一度に見てしまう者の不幸です。キリがいる限り、人類は「完全には拒絶されない」。でもそれは、救済ではない。

スパイダーが示す、最も残酷な可能性
　スパイダーは人類の「未来の姿」です。
　彼は、
　 罪を背負って生きる
　 どこにも完全には属さない　
　 それでも生き延びる

　彼は許されていない。でも排除もされていない。それが、人類の立ち位置に一番近い。

そして、私の答えは、、、　

　人類は、許されるために存在していない。

　それでも生きるしかない存在として、パンドラの世界に描かれている。『アバター』は、「人類は救われるべきか？」という問いを立てているようで、実はこう言っているのでないでしょうか。……救われなくても、生き続ける覚悟はあるか。許されないまま、灰を背負ったまま、それでも選択し続けられるか。そこに答えを出せるかどうかが、人類の“未来”なのだと思います。

おわりに、総括

　本作の『アバター：ファイヤー・アンド・アッシュ』は、観る映画ではありません。滞在する映画です。『アバター3』は、スペクタクルでありながら、極めて静かな問いを投げかけます。

世界とつながるとは、どういうことか。その重さに、人は耐えられるのか。

　さて、時間が引き延ばされたように感じたのは、あなたがその世界に「生きていた」証拠だと思います。シリーズはまだ続きます。けれど本作は、一つの転換点として、強く記憶に残る一本でした。

　皆さんはどう思いましたか？　いやあ、いったんはケリがついたのかな？　でもまだ４・５ってありますからね。楽しみですね。えっ！？　なんだって、もう一回観たくなってきたなって、それなら劇場に足を運びましょう！　次はちょっと違う観方ができるかもしれませんよ。それではまた！

HARU

アイキャッチがゲームエルデンリングからだって気づいた？

PENくん

火と灰。大樹。幻想的な世界。ソウルシリーズを想像せずにはいられないｗｗ

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基本情報

「やさしい世界」に潜む、静かな恐怖

　差別はいけない。多様性は尊重されるべきだ。それは正しい。だが、その「正しさ」が物語になるとき、どこまで人は誠実でいられるのだろうか……

　はい、正直に言います。ちょっと舐めていました。2025年末に『ズートピア２』が上映され、大ヒットだっていう。まあディズニーですし、コケはしないだろう。って、そう言えば「１」の記憶が無い。あの時も、そんなに流行っただろうか……もう10年近く前になるらしい。たぶん観ていない。記憶にない。ということで、子供向け映画なんだし、９歳になったばかりの娘と観た。そしたら……

　まず簡単に、映画『ズートピア』は、動物たちが共存する理想都市を舞台にした、明るくポップなディズニー作品です。
　明るくてポップ、可愛らしいキャラクター、音楽……娘がどう思ったのかは別にしても、私が観終わったあとに残ったのは、爽快感よりも、どこか居心地の悪い余韻でした。

　人間は一切登場しない。登場するのは、ウサギ、キツネ、ライオン、ナマケモノ──けれど彼らは「動物」である以前に、私たち自身の姿に見えてくる。

　ジョージ・オーウェルの『動物農場』がそうであったように、動物を使った寓話は、ときに人間を直接描くよりも残酷に、社会の本質を照らし出します。『ズートピア』もまた、その系譜にある映画なのかもしれません。　

【基本情報】
　 原　　題：Zootopia
　 公 開 年 ：2016年
　 制　　作：ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
　 監　　督：バイロン・ハワード、リッチ・ムーア
　 ジャンル：アニメーション／ミステリー／社会派ドラマ
　 上映時間：約108分

ズートピア公式より引用

簡単なあらすじ

　ズートピアは、草食動物も肉食動物も共に暮らす巨大都市。「誰でも、何にでもなれる」という理想を掲げるこの街で、ウサギのジュディ・ホップスは、史上初のウサギ警官として働き始めます。しかし現実は厳しく、彼女に与えられる仕事は駐車違反の取り締まりばかり。
　そんな中、ズートピアでは肉食動物が突然凶暴化する「行方不明事件」が続発。ジュディは、詐欺師のキツネ・ニックと手を組み、この街の裏側に隠された真実へと踏み込んでいきます。

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この手の話だと漫画BEASTARSもマジて面白い

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面白いと思うところ

　 都市設計が異常なほど緻密（砂漠区・氷雪区・小動物エリアなど）
　 ナマケモノの役所シーンに代表される、テンポを裏切るギャグ
　 バディムービーとして完成度が高い（ジュディ×ニック）

　これらは表層的な楽しさですが、油断させるための装置でもあります。

こういう人にお勧め

　 ディズニー映画は好きだが、最近少し物足りなさを感じている人
　 社会問題・差別・分断といったテーマに関心のある人
　 『動物農場』『1984年』『華氏451度』など寓話的ディストピアが好きな人
　 子どもの頃に観た『ズートピア』を、大人になって見返したい人

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『動物農場』あらすじ付き作品紹介及び考察 | 日々、読書日和

基本情報 基本情報 　イギリスの作家、ジョージ・オーウェルの1945年の作品です。オーウェルと言えば、ディストピア小説の金字塔で、「ビック・ブラザーがあなたを見ている」というセリフが有名な監視社会を描いた不朽の名作『一九八四年』が代表作です

dokushobiyori.org

ここから観た人向けの話

　ここからは観た人向けなので、あえて「こういうカラクリ・ネタバレがあります」とは書きません。読む人が観ているということを前提に書きますので、主語がないものがありますが、ご了承下さい。

『ズートピア』は「やさしい顔をしたディストピア」である

　『ズートピア』が怖いのは、誰も「悪人」に見えないところです。差別は、暴力的な憎悪として描かれません。それは、

　 統計的に危険だから
　 念のため
　 あなたのためを思って

　という、もっともらしい言葉として現れます。ここで思い出されるのが、オーウェルの『動物農場』です。あの物語でも、革命は理想から始まり、やがて「管理」と「安全」の名のもとに歪められていきました。ズートピアの社会も同じです。
　「肉食動物は危険かもしれない」という恐怖が共有された瞬間、個々の人格は消え、属性だけが人を定義する世界になる。

　そして恐ろしいのは、それを止められるのは「完全に正しい者」ではなく、自分の中の偏見を自覚できる者だけだという点です。ジュディはヒーローですが、聖人ではありません。彼女もまた過ち、恐れ、加担します。だからこそこの映画は、説教では終わらない。『ズートピア』は問いかけます。あなたは本当に、レッテルを貼らずに誰かを見ていますか？

　その問いは、2020年代の分断された世界において、むしろ初公開時よりも重く響いているのではないでしょうか。

なぜ『ズートピア』の悪役は「〇〇〇」なのか

　ね、衝撃の悪役でしたよね、犯人はヒツジです。ベルウェザー副市長はヒツジだ。牙も爪もなく、声は小さく、見た目は無害。映画の序盤、彼女を「悪役候補」と見抜けた人はほとんどいないでしょう。それは偶然ではない。
　ヒツジという動物が持つ、文化的イメージそのものが、この映画のトリックだからです。

ヒツジ＝「弱者」「従順」「守られる側」という刷り込み
　ヒツジは古今東西で、次のように描かれてきました。

　 おとなしい
　 群れる
　 自分で判断しない
　 守られる存在

　キリスト教では「迷える羊」、現代では「思考停止した大衆」の比喩として使われることもありますね。つまりヒツジは、「支配する側」ではなく「支配される側」。「加害者」ではなく「被害者」
　という位置に置かれやすい動物です。ベルウェザーは、そのイメージを完全に利用しています。

「弱者のふり」をした権力者という恐怖
　ベルウェザーは叫ばない。拳を振り上げない。「怒り」や「憎しみ」を前面に出さない。
　彼女が語るのは、こうした言葉です。

　 草食動物はずっと虐げられてきた
　 私たちは守られるべき存在
　 これは正当防衛

　このロジック……どこかで聞いたことがあるぞ、

自分を弱者として定義することで、あらゆる行為を“正義”に変えてしまう論法。　
　ここで『動物農場』との接続がはっきりします。オーウェルの世界でも、支配は「力」ではなく「言葉」と「物語」で行われていましたね。ベルウェザーは独裁者ではない。
　彼女は、語り部なのです。

なぜヒツジでなければならなかったのか？
　もし悪役がライオンやオオカミだったらどうでしょう。きっと観客は最初から警戒しますよね。「やっぱりね」と納得して終わる。
　しかしヒツジなら？

　 疑わない
　 守ってあげたくなる
　 「この人は味方だ」と思い込む

　つまり、観客自身の偏見をあぶり出すためには、ヒツジでなければならなかった。『ズートピア』は、「肉食動物への偏見」を描いているようで、実は「草食動物＝善」という固定観念も同時に壊してきます。これは、かなり過激です。

ヒツジは「集団心理」の象徴でもある
　もう一段深く見ると、ヒツジは「個」ではなく「群れ」を象徴します。ベルウェザーの恐ろしさは、彼女自身が怪物であることではありません。

彼女の言葉に、無数の“普通のヒツジたち”が共鳴してしまう可能性にあります。
　つまり、

　 差別は怪物が生むのではない
　 善良な多数派が、静かに育てる

　この視点は、20世紀の全体主義、21世紀の分断社会、そのどちらにも鋭く突き刺さりますね。　

ヒツジは「あなた」かもしれない
　『ズートピア』が最終的に突きつけるのは、「肉食か草食か」ではない。あなたは強者の顔をした悪を疑うが、弱者の顔をした悪を疑えるか？ベルウェザーがヒツジである理由は一つだ。彼女が、最も私たちに近い場所にいるからです。これは、『ズートピア』という映画のいちばん危険で、いちばん誠実な核心だと思います。

ニック・ワイルドのその後

　ニック・ワイルドは差別を「乗り越えた」のでしょうか――それとも、上手に「適応」しただけなのか？

はじめは、愛されるキツネという安心感
　『ズートピア』で最も人気のあるキャラクターは、間違いなくニック・ワイルドでしょう。皮肉屋で、飄々としていて、どこか大人びている。観客は彼に安心する。なぜなら彼は「分かっている側」だからです。だが、その安心感こそが、このキャラクターの危うさでもあります。
　ニックは本当に、差別を乗り越えた存在なのだろうか？　それとも彼は、差別がある世界に最適化された結果にすぎないのではないか……

キツネであることを、彼は「選んだ」のか
　ニックは物語の冒頭から、典型的な「ずる賢いキツネ」として登場しました。詐欺まがいの商売、皮肉な笑顔、他者との距離感。しかしそれは、彼の本質ではありません。幼少期の回想シーンで明かされるのは、「善良であろうとしたキツネ」が、社会から拒絶された過去です。
　信じようとした。仲間になろうとした。だが返ってきたのは、「お前はキツネだ」という一言でした。この瞬間、ニックは学びます。期待される役を演じたほうが、傷つかずに済む、と。

「適応」という名のサバイバル

ニックは怒らない。社会を糾弾しない。革命も起こさない。

　彼が選んだのは、自嘲と諦観による自己防衛なのです。

　 信じなければ、裏切られない
　 期待しなければ、失望しない
　 最初から悪役を演じれば、傷は浅い

　これは賢い生き方だ。同時に、とても悲しい。ニックは差別を「克服」してはいない。
　差別が前提の世界で、最も合理的な振る舞いを身につけただけです。

ジュディとの出会いは「救い」だったのか
　物語後半、ジュディとの関係性によって、ニックは警官となり、「夢を叶えた」ように見えます。だが、ここで一つ立ち止まりたい。ニックは、世界そのものが変わったから警官になれたのではない。
　「特別な理解者」に出会えたから、例外的に救われただけではないのか。
　つまり、

　 ニック個人は報われた
　 しかしキツネ全体が救われたわけではない

　この構造は、現実社会とあまりにも似ている。

「希望」として消費される危うさ
　見方によって、ニックは、「差別を乗り越えた象徴」として語ることができます。だがそれは、物語として都合のいい読み方でもあると思います。彼の笑顔は、「頑張れば報われる」という希望を与える。同時に、「報われないのは努力が足りないからだ」という残酷なメッセージも孕む。
　ニックはヒーローである前に、サバイバーなのです。

ニックは、私たちが見たい「成功例」
　ニック・ワイルドは、差別を乗り越えてはいない。彼は、差別が存在する世界で、最も洗練された「生存戦略」を身につけた存在なのです。だからこそ、彼は魅力的で、だからこそ、少し怖い……

　『ズートピア』が優れているのは、この問いに明確な答えを出さないところだと思います。
　適応することは、敗北なのか。それとも、現実的な勝利なのか……
　ニックは今も、笑いながらこの問いを私たちに投げ返しています。その問いから目を逸らさない限り、『ズートピア』は、決して“子ども向け映画”では終わらない。

　皆さんはどう思いましたか？　いやあ、続編があるんですってね！？　観たくなってきたなあ、それなら是非劇場で！

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基本情報

　2017年のホラー・ミステリー洋画、監督はセルヒオ・G・サンチェス。上映時間は110分。キャストに、皆さんが知るような有名人はいません。ちょっとマイナーな、まさに掘り出し物だと自負しています。それほど昔の映画でもありません。
　キャストの話ですが、誰もが知っているようなスーパースターはいませんでした。と言うだけで、かつ、まだ・・と言った注釈が必要。若手が凄い！　まずここ2人の俳優について、紹介します。
　ひとり目はアリー役の「アニャ・テイラー＝ジョイ」。ふたり目はジェーン役の「ミア・ゴス」。この2人が本当によくって、もちろん主演のジャック役の「ジョージ・マッケイ」もいい。彼の、色白で、いい細マッチョ具合、タンクトップだからこそ分かる、血管が浮かんだ上腕二頭筋から目が離せない！　あと、眼ね。ほんと、外国人さんの眼って素敵ですよね。と、まだ素晴らしい俳優はいますが、このくらいにします（「アニャ・テイラー＝ジョイ」と「ミア・ゴス」について、よくって、しか書いていないｗｗ　が、この2人については別の出演作を調べて追ってみたいと思います。その時にでも、改めて紹介します。でもね、くどいだろうけど、ほんと、いい役者。というか好き）。
　で、監督は？　「セルヒオ・G・サンチェス」とは……ほとんど情報がありません！　（日本語）ウィキはなし、監督作品は本作以外になし！　ただ脚本としては本作（本作は監督・脚本に携わっている）以外に３作あるそうです。謎！
　いいね、いいよ！　もし、全然違うところからリーチした人がこの記事を読んでいてくれたら嬉しい。観る価値がある映画です。これから書くことは、個人的な価値観の中である指標です。映画館に行く、レンタルしてまで観る価値がある、映画です。サブスクで観られる範囲でしか、映画を探さなくなった。どうしてって？　だってそうでしょう？　わざわざですよ。他に、溢れているっていうのに、そこまではしない。でもね、そこまでしてもいい映画があります。実際私も、今回は久しぶりTSUTAYAさんにお世話になりました。面白いものですよね、３年も前なら、借りに行っていたし、映画館にもよく行っていました。でも、最近は全然。これはね、言い訳じゃないよ、そこまでしたいと思わなかっただけ。だけど、『マロ―ボーン家の掟』には価値がある。観る価値がある。私はそう思う。
　さて、カッコイイこと言った後に（言ったつもりｗｗ）、やっとことさ本作の輪郭でも少しなぞることにしよう。

※公式予告　可愛いミア・ゴスが絶叫

　こんな感じなので、ホラー映画です。「怖いの？」と言われれば、「ドキドキはする」と答えます。でも、それでもこの映画はね「ミステリー」。まだ観ていない人は、決して最後の考察のところは読んではいけない。台無しになる。とか、こんなことを書くのもダメな気もしますが、とにかくそれだけは守って欲しい。ただね、知ればつまらないとかではありません。現に、私は２回目も楽しく観ることができました。まだ何度か観てもいいと思ってます。新しい発見があるかもしれませんし、なんたって素敵な俳優に出会える。……あと、これもくどいかもしれないが、映画好きには、是非！　映画好きと自負するなら、これは、きっとあなたにもハマる（※）。
　※ひとつだけ補足をするのなら、ここで前に『ルックバック』の記事を書きました。その記事でも同じようなことを書きましたが、この映画の良さが、分からない人もいるかもしれません。『ルックバック』の時は、それは、それでもいいと書きましたが、本作では違います。この映画が分からないのなら、勉強か、経験不足。今、分からなくても、きっと分かる時が来ます。だって、いい映画だからね（これは決して『ルックバック』が「いい映画」じゃないと言っているわけではありません。あれは、人による。そして、少しずるい節があるという話）。
　そしてこれも『ルックバック』と同じ。もし、まだ観ていないのなら、これ以降は観てから読んだほうがいいです。できれば何の事前情報もなしで観ることを勧めます。次の「簡単なあらすじ」も読まないことを私は勧めます。どうしてって？　もったいないんだ。できれば何も知らないで観て欲しい。そしたらもっと楽しめると思います。

簡単なあらすじ

　1960年代末のアメリカ・メイン州。緑豊かな片田舎にひっそりとたたずむ古めかしい母がかつて住んでいた屋敷に、母の姓マローボーンと苗字を変え４人兄妹が引っ越してきた。責任感の強い長男ジャック（ジョージ・マッケイ）、家族思いの長女ジェーン（ミア・ゴス）、頭に血がのぼりやすい次男ビリー（チャーリー・ヒートン）、まだ幼くて天真爛漫な末っ子サム（マシュー・スタッグ）。祖国イギリスでの悲惨な過去を捨てて彼らは、この人里離れた屋敷で新しい人生を踏み出そうとしていた。しかしその矢先、心優しい母親ローズ（ニコラ・ハリソン）が病に倒れ、この世を去ってしまう。「皆を守ってね。どんなときも」。ローズの遺言を胸に刻んだジャックは妹と弟たちに呼びかけ、「誰も絶対に僕たちを引き裂けない。僕らはひとつだ」と固く誓い合う。 すると間もなく、突然の銃声によって兄妹は恐怖のどん底に突き落とされる。イギリスで悪名を轟かせた凶悪殺人鬼の父親（トム・フィッシャー）が脱獄し、執念深く彼らを追ってきたのだ。ジェーンの絶叫を耳にしたジャックは、血も涙もない父親に敢然と立ち向かっていくのだった……。
　6ヵ月後。～～

『マロ―ボーン家の掟』公式サイトより抜粋

　ここまで！　驚いたことに公式では、まだまだ続くのですが、そこまで知る必要はありません。ちなみにジェーンの絶叫（上に貼り付けたやつ）までわずか10分。そう「マロ―ボーン家」というように、家族の物語。４兄妹と、越してきた町の住人アリー。
　これを観て下さいな。公式の予告です。よく出来ています。

　そうです！　ここでタイトルの伏線回収。５つの掟の登場です！
　【マロ―ボーン家５つの掟】
　１つ、成人になるまでは屋敷を離れてはいけない
　２つ、鏡を覗いてはならない。
　３つ、屋根裏部屋に近づいてはならない
　４つ、血で汚された箱に触れてはならない
　５つ、‘何か’に見つかったら砦に避難しなくはならない

　これねえ、面白いとは思いますが、こんな予告必要なかったね。まあ、公式だからいいですが、後付けじゃないかな。というのが、私の感想です。邦題は『マロ―ボーン家の掟』だってことは分かっていますけど、洋題って『Marrowbone』でしょ。どこに「掟」って、ある？　なんで私がこんなことを言うのかって、違和感があったからです。不必要だよ、私は知らないまま観たし、それでよかったと思います。やっぱりいらない情報。売り方の１つだとは理解しますが、この１点だけ、この映画に対し、苦言を述べたい。でもまあ、何かを売り出すって難しいものですよね。
　それで５つの掟というのが「あらすじ」に補足されます。この映画は家族の物語。観ていると、少し「ん？」ってなるところがあります。そんなこと気にしないで、と言ってもいいし、そういうところに意識をして観ても結構。どうせ、分からない。でも、それでもいい。こういう体験ができるって素敵です。

HARU

本ブログ初のホラータイトル！

PENくん

ゾックゾクするやろ！

小ネタ

　予告編35秒海辺のシーンのセリフ「you have no idea」ですが、字幕は「彼には近づくな」です。直訳すると「あなたはわかってない。」になります。ここから、「お前はあいつの危険度が分かっていない」→「彼には近づくな」ってことですね。映画の全体、前後からじゃないとこの翻訳にはなりません。映像翻訳家ってすごいですね！

面白いと思うところ

　冒頭母の、言葉選びの美しさ。希望がある。とてもオシャレでした。

「これは大きな一歩よ。もう“フェアバーン”じゃない。今日から私たちの名字は“マロ―ボーン”。線を越えたら思い出は消え――私たちの物語はここから始まるの」

「あいつは来ない？」

「誰？　線を越えたから――忘れちゃったわ。もう誰にも悩まされない。二度と」

　いったい何が始まるのか、全然見当がつきませんでした（だから先にも触れましたが、本当に、何も知らない方がよっぽどいい。でもね、これはジレンマなんですよね。だって、映画館だろうがレンタルだろうが、少しは知らなければ、興味を持たなければ、観ないですよね？）。たまたま私が何も知らない状態で、観ることが出来たのはラッキーでした。この時のワクワクは、たまらない。映像、風景もよかった。逃げてきたってことから始まるストーリーなので、それを果たした後の、幸せのエンディング感が、とても美しかったです。まるでエンディングのお手本のような、描写。これはこれだけで十分いい。ですが、まだ冒頭も冒頭、まだジェーンは絶叫していない。そう、始まってさえいなかったわけです。で、以降、……何が面白かった？　という問いに答えるのは、結構難しいです。ただ、魅せられます。引き込まれる。そして、上手い！　と、きっと思うでしょう。カラクリだとか、そうじゃなくても、上手い！　撮り方、作り方がそうですね。これは、面白さに直結している。期待を裏切らない。いや、きっとあなたも裏切られる。でも、悪い気はしないはずです。

こういう人にお勧め

　挑戦作品ですね。「観てみろ！　あなたに分かるかな」そう、挑発してやってもいい。ある意味、楽しさとは別の見方で、もちろんそれも全部含め「面白さ」であることには違いないのですけどね、作り手と勝負。そういう気概をもって観てもいい。ひとつ提案します。たとえば、それが「あなた」じゃなくてもいい。周りの人に紹介してみて下さい（もちろん、まずはあなたの番ですよ）。この映画は、『マロ―ボーン家の掟』は、いい映画だ、私はたくさんの人に観て頂きたい。それはエゴでしょうか。いや、違います。そのために、私は、書いています。
　と、ごちゃごちゃ言わずに、考えずに、観て下さい。損、させませんよ。むしろ、感謝して欲しいくらいですね笑　とにかく掘り出し物（だと思っています）。是非！

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ここから観た人向けの話

　ここからは観た人向けなので、あえて「こういうカラクリ・ネタバレがあります」とは書きません。読む人が観ているということを前提に書きますので、主語がないものがありますが、ご了承下さい。

５つの掟について

１．成人になるまでは屋敷を離れてはいけない

　ジャックが成人になる前に、母親が病で倒れ、死にます。そのことを公にすれば、兄妹は施設に入れられるなど、バラバラになるからです。だから、秘密にしましょう。というだけでしょう。

２．鏡を覗いてはならない

　「見えない」という現実と向き合うことになってしまうため、課したルールでしょう。

３．屋根裏部屋に近づいてはならない

　そこに何があるか、全部分かっているからですよ。思い出します、ど級のトラウマ。という、シンプルな話でしょう。

４．血で汚された箱に触れてはならない

　ここでオカルト。「呪い」なんて、紐づけるのでしょうかね。結果、父親がやってきます（証言で嘘をついた母と、それを何かの保険としてもっているのが悪い）。実態は、触ったところで、何かしらの罪や罰があるということはないでしょう。

５．’何か’に見つかったら砦に避難しなくはならない

　それはそうですよね。命の危険が迫っていますからね。戦うか、逃げるかしなくてはいけません。だけどあの砦には、防衛能力なんてありません。ただ、ジャックはあの場所が、心の拠り所だったのです。ここに来れば、みんながいる。その一点だけでしょう。

　どうでしょうか？　前述しましたが、私はこの５つの掟に納得がいっていません。きっと後付けだと思っています。いや、絶対にそうだと思っています。だってそうじゃないでしょうか。上の、私の回答。特に４とか、さすがに苦しくないですかね。でも、これは配給側の作戦。逆に、この掟で興味がわいた方もいるでしょう。なら、これでジレンマの解消ですね。作戦成功です。　

違和感について

　ジャックは、まるで全盲のように、どこか焦点があっていないところがありましたよね。どこか聞いているだけで、合わせている、そんな感じでしたね。加えて、外に出るのも、アリーと話すのも、ポーターと話すのも、ジャックだけ。気がつきましたか？　これはあれですね。かの有名な、「見えない」映画を思い出しました。他にも、母の署名のあと、ジェーンがカーテンを閉める。そして、ジャックも同じことをした。ジャックの入浴中にジェーン。兄妹とは言え、さすがに……。

父が３人に毛布を掛けたことについて

　それにしても、ほんとう、あっという間に死にましたね。すごいマーダーです。血も涙もありません。が、３人に毛布をかけています。腐っても子の親？　それとも隠しているだけでしょうか。言ってしまえば、凌辱もしないで……彼のキャリアならしそうですし、生かして楽しむということはするのではないでしょうかね。ならずもの（あらいぐま）を喰った痕跡があることを考えるに、３人もいくらか食べられているのでしょうか。だとすれば、他の動物などから死体を守っていた。なんて理由があったりするかもしれませんね。

最高のセリフとアリーについて

　最後、アリーに言うこれ「君がいたら、みんなが消える。……」ここね、痺れましたよね。冒頭の、この線を越えたら、という母の言葉も素敵でしたけど、やっぱこれ。と、病院にて先生が「病んだ心には愛は育めない。ジャックとの間には家族も作れない」なんて言うと、これにアリーが「ご心配、ありがとうございます」と答えましたよね。この時のアリーの芝居、よかったですよね。奥行きがあった、素晴らしい演技でした。

事件のその後について

　いいですか、思い出してみてください。すごい事件なわけですよ、街はずれの大きな家に、母（埋められている）と、ジェーン・ビリー・サムという３兄妹の遺体。そして、殺人鬼の父親（脱走中）とポーターの遺体が見つかったはずです。
　で、お咎めはなし？　平和に暮らせるとでも？　ジャックは被害から多重人格になってしまった。だから今はあの屋敷で療養中。アリーが面倒を見てくれている。さて、まかり通りますかね？　事件から月日がそこまでたっているとは思えませんでしたが……もしかして、全部ジャックの狂った頭の中の出来事だったのでは。全然ある。６か月後なんてない。あの冒頭に観た最高のエンディング。あれが、あの束の間こそが、マロ―ボーン家のハッピーエンド。ジャックは、命からがら生き延びた。そして治療にあたった病院の看護婦がアリー。あとはジャックの夢の中。というのは、どうでしょう。

　皆さんはどう思いましたか？

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